{May 2, 2009} TEMA 8

ESQUEMA

1.¿Por qué evaluar? -Mucho más que medir el rendimiento de los alumnos.

2.¿ cuando hay que evaluar?

Fases:
-inicial
-formativa
-sumativa

3.concepciones sobre evaluación.

-Transferir informacion.
-Encontrar estrategias
-Procesos de aprendizajes de los alumnos.
– Capacidad para buscar de forma selectiva.

4.¿ Qué evaluamos?

a) Lo que no hacer
b) Fundamentar nuestros criterios de evaluacion.

5.El tema del «gusto» y la calidad estetica al evaluar.

6.¿Qué evaluamos?

a) Datos,
b) hechos,
c) conceptos,
d) procedimientos,
e) actitudes,
f) creatividad.

7. Dos maneras de evaluar.

a)Evaluando instrumentos puntuales:
-Sus obras son importantes:
-Reivindicar el papel del lenguaje, oral y escrito , en E.A.
b)Instrumentos que recogen un proceso.
c)Diversos tipos de pruebas para medir capacidades y aspectos distintos.

8) Procedimiento de evaluacion reproductivos versus investigativos/ de reconstruccion.

-Pruebas con relevancia cognitiva:
   -Reconstruccion del conocimiento.
   -Trabajan con narrativas.
   -De investigacion.
   -Proyectos de trabajo.

9)Otros modelos de evaluar.

– Auto evaluarse.
    Maneras de participar:
    -La auto evaluacion
    -Evaluacion conjunta
    -En grupo.
    -Triangulacion: recoger informacion desde diferentes puntos de vista.

10) Alumno decide no seguir un trabajjo y abandonarlo.

-¿Fracaso o éxito educativo?

11) Alumno como individuo

DESARROLLO COMPLETO

La evaluacion es uno de los aspectos mas importantes del proceso educativo.

1.¿Por qué evaluar?

-Mucho más que medir el rendimiento de los alumnos, sirve para mejorar ,adaptando y cambiando.
    Informar al alumno para que sepa como va su aprendizaje.
   orientarle de como mejorar.
    enseñarle a autoevaluarse.
    para que posteriormente emita una calificación.
La evaluacion hay que ir cambiandolo y actualizandolo

2.¿ cuando hay que evaluar?

Fases:
-inicial: nos permite saber los conocimientos previos del alumno.Nos hace ver sobre el modo de aprender del alumno.
Sirve para ver por donde están. Permite ver los errores de los alumnos.
Una buena evaluacion inicial nos ayuda a evitar crear unos conceptos erroneos y ayudan a adaptarnos a la realidad del aula.
El error típo es pensar que el dibujo es algo » con lo que se nace»·
-formativa: para entender, corregir y mejorar.Sacar todo a la luz , sus relaciones , progresos, actividades. Ayuda a los alumnos en su aprendizaje.
-sumativa: si han logrado los resultados esperados.resumen de lo que ha hecho el alumno en todo el curso.Se materializa con una calificacion.

3.concepciones sobre evaluación.

Aprender no es igual a repetir.
-Transferir informacion.No sirve de nada aprender de memoria algo de historia si luego no lo comprendo o no lo utilizo para nada.
-Encontrar estrategias. Hay que saber hacer , plantear problemas y resolverlos.
Es necesario aprendera hacer cosas nuevas y a plantear cuestiones nuevas.
-Procesos de aprendizajes de los alumnos. Es igual de importante el resultado como el proceso de como ha aprendido. Nos encontramos en un mundo el cual va cambiando por dia por lo que lo que no podemos enseñarles hoy a resolver unos determinados problemas o cuestiones pero si podemos enseñarles a ser capaces de aprender solos.
– Capacidad para buscar de forma selectiva. Los niños deben aprender a aprender. Deben aprender a hacer las cosas bien.
Cada vez es mas importantes saber donde y cómo buscar la informacion necesaria para tener el conocimiento relevante.
Estos 4 conceptos debemos tenerlos presentes siempre.

4.¿ Qué evaluamos?

a) Lo que no hacer

Muchas veces nos dejamos llevar mas por nuestras opiniones y gustos que por nuestro criterio y esto es un error que se comete mucho en la educación.A la hora de evaluar debemos tener en mente que

todos los alumnos son

iguales y no dejarnos guiar por si nos cae bien o no.

Cuando calificamos no estamos dando una calificacion definitiva sino que podrá modificarse segun los cambios que se vayan produciendo.

Tampoco lo usaremos como medio de extorsion, de venganza, de castigo o humillacion hacia el alumno.

Y un error tambien muy frecuente en la enseñanza son las comparaciones entre alumnos, debemos descartarlo y tener un criterio para cada uno.

Hay muchos casos como el de Einstein, Van Gogh que fueron malos alumnos de los que se pensaban que eran unos vagos y retrasados que despues fueron grandes personas. Con todo esto quiero decir que no hay que calificar a las personas ni la evaluacion es un juicio definitivo, hay que confiar en los alumnos y en sus progresos.

Debemos tomarnos la evaluacion como medio de mejora.
La mision de la evaluacion es ayudar al alumno a mejorar.
El deber de un buen profesor es decirle al alumno cómo hacer las cosas, cómo mejorar, dónde se estaban equivocando, que les pusieran ejemplos de cosas bien hechas.
Por lo tanto deberemos evitar hacer juicios generales a partir de datos excesivamente particulares.

b) Fundamentar nuestros criterios de evaluacion.
Lo principal es saber realmente qué queremos que los alumnos aprendan, despues podremos establecer los criterios de evaluacion oportunos.
Pero antes de esto debemos especificar cuales son las competencias y los objetivos que queremos alcanzar.
¿qué criterios podemor usar?
        -Diseño Curricular Base (DCB)
          Suelen ser muy generales y abiertos a la interpretacion. Es preciso adaptarlos a la realidad actual. Y habria que completarlos con otros criterios generales.
        -Los que vienen en la ley.
        -completarlos y adaptarlos a nuestros alumnos y contextos.
        -Tambieno con las indicaciones sobre evaluacion que nos dan los especialistas en la materia.
    -Relevancia de los distintos criterios de evaluacion.
Debemos tener claros nuestros criterios de evaluacion y saber qué estamos evaluando y para qué , ya que si no cualquier trabajo o dibujo será iagualmente adecuado o inadecuado.
Los objetivos y criterios de evaluacion tienen que estar en consonancia con el nivel eduactivo, la edad, el contexto,etc
Tendremos que tener en cuentaque todos los alumnos no son iuguales y que algunos cumple los criterios previstos, y además aparte valorar el avance que estamos observando (y valorarselo al niño).

Deberemos priorizar unos criterios sobre otros.
Como por ejemplo en el caso de que los alumnos hagan dibujos para ilustrar conocimientos sobre algo o para contar una historia, lo importante no será la tecnica sino los aspectos narrativos.
Los criterios que utilicemos tienen que ser flexibles y adaptarse a las distintas culturas y contextos de nuestros alumnos.

5.El tema del «gusto» y la calidad estetica al evaluar.

Como anteriormente ya hemos comentado que

es un error valorar segun

nuestros gustos personales o lo que conecta con nuestras opiniones, ya que

estamos aplicando mal los criterios de evaluacion, y es injusto.

Aunque sabemos que muchos aspectos son difisiles de valorar por eso es importante tener claros los objetivos y criterios de evaluacion.
Todos sabemos que los adultos nos guiamos a la hora de juzgar una obra por su calidad estética y pla´stica, pues esto podemos trabajarlos con los alumnos.Es importante que los alumnos sepan como valoran los adultos.
Tenemos que enseñar a los alumnos a valorar sus propias obras.

6.¿Qué evaluamos?
a) Los datos y los hechos, son necesarios pero no suficientes.
Las obras deben tener un comprension, un significado si no no sirve de nada.
Hay conocimiento que simplemente hay que saber como el abecederacio, la tabla de multipliocar,etc.
Evaluar es sencillo, aunque probablemente por si solas no aporten informacion necesaria.

c) conceptos, aislados no soin útiles.
No sirve simplemente con sabernos los datos aislados ya que no son útiles.Lo importantes es poder utilizar despues esos datos en la comprension e interpretacion de la realidad.

d) procedimientos, pruebas concretas y objetivas.
Aqui se pueden evaluar con pruebas concretas y objetivas aunque cuando el proceso se compli ya no es tan facil evaluar.
Evaluar no es sencillo y es facil caer en errores de evaluacion por lo que tenemos que tener claros esos criterios de evaluacion, establecer una jerarquía, establecer relaciones con otros aspectos educativos.
En educacion artisticas sabemos hacia donde queremos que los alumnos vayan ,pero no exactamente qué van a conseguir.
Hay unos criterios importantes como la tecnica y los procedimientos ,la busqueda y utilizacion de informacion,comunicacion ,utilizacion adecuada del lenguaje.

e) actitudes,perseverancia, interés,esfuerzo, solidaridad con compañeros,convivencia,etc.
Actitudes importantes como el analisis y comprension crítica de la realidad, actitud investigadora, y la mas conocidady a la vez compleja la creatividad.

f) creatividad,es imprescindible, capacidad para ser libre.
Favorece el pensamiento complejo y divergente, es una cualidad imprescindible en el mundo actual.
Hay autores que relacionan el ser creativo con la capacidad para ser libre.
Un criterio para evaluar la creatividad es: no hay que confundir creatividad con originalidad.
Por ultimo nuestro deber como educadores es fomentar la creatividad a traves de actividades ,la busqueda de soluciones distintas,de lo complejo,etc.

7. Dos maneras de evaluar.
a)Evaluando instrumentos puntuales:examenes,cuestionarios,entrevistas,etc

-Sus obras son importantes: aprenden a mirar, pensar y trabajar como productores de imagenes.Transfieren sus conocimientos a un nuevo objeto y enriquecen mucho su comprension.
La realizacion de sus propias obras tiene un valor lúdico y estético, desarrollan destrezas, habitos de orden, y aprenden diferentes maneras de expresarse y comunicarse , una excelente opcion de trabajar en la construccion de su identidad.
-Reivindicar el papel del lenguaje, oral y escrito , en E.A.
En E.A no se trata sólo de hacer trabajo manuales sino de trabajar comentarios, proyectos, investigacciones, exposiciones , tiene una gran importancia el uso del lenguaje. El lenguaje es imprescindible para el analisis ,contrate y reflexion crítica sobre imagenes y obras de arte.

b)Instrumentos que recogen un proceso.Evaluando procesos
Cuadernos del alumno o portafolios y cuadernos del profesor.
Para los alumnos podemos trabajar con blog donde no se limitan a repetir o copiar lo dicho o expuesto en clase sino que ellos toman un papel mas importante y es el de su opinion o sus propias investigaciones.
Tambien podemos trabajar con portafolios que nos refleja el aprendizaje global del alumno así como proyectos de trabajo en el cual los principales objetivos es el tema quese trabajarán los temas que mas interesen al alumnos y haciendo una invetigacion y una reflexion identitaria profunda y tambien se trabajará el trabajo en grupo.

c)Diversos tipos de pruebas para medir capacidades y aspectos distintos.
La mayoria de las pruebas cuando se usan aisladas conducen a errores, hay que establecer sistemas de evaluacion que no dependa de una habilidad concreta.
No debemos caer en este error ya que sólo mediriamos una determinada faceta del aprendizaje, el alumno se acostumbraria a trabajar de una determinada manera, y deofrmariamos el proceso de aprendizaje ya que el alumno entenderia que lo importante son las pruebas que se evaluan y no la metria en si misma.

8) Procedimiento de evaluacion reproductivos versus investigativos/ de reconstruccion.
-Aprender un determinado procedimiento y repetirlo.
Es el ejemplo típico de copiar obras famosas como actividad.Estas actividades nos pueden ser útiles para: aprender procesos elementales como mezclar colores, para desarrollar destrezas, como base para otras pruebas mas complejas,etc Pero son preferibles pruebas con mayor relevancia cognitiva.
Pruebas en las que se vea implicado, temas que le afecten , que le planteen desafios, …con esto le encuentran sentido a las cosas y no se aburren.

-Pruebas con relevancia cognitiva:
   -Reconstruccion del conocimiento.
   -Trabajan con narrativas.
   -De investigacion.
   -Proyectos de trabajo.

9)Otros modelos de evaluar.
Otro modelo en el que el alumno puede participar. Esto es importante para el alumno ya que no siempre va a tener aa alguien que les diga lo que esta bien o esta mal por eso deben aprender a evaluar y enjuiciar por ellos mismos y con unos criterios.
    Maneras de participar:
    -La auto evaluacion
    -Evaluacion conjunta
    -En grupo.
    -Triangulacion:este proceso consiste en recoger informacion desde diferentes puntos de vista y comparandolos.
Cuando los alumnos participan en el proceso de evaluacion es importante acordar cómo será tenida en cuenta su aportacion.
Aunque la decision final la tenga siempre el profesor el alumno participando se hace mas responsable de su trabajo y asume mejor los resultados. Y el docente tiene una informacion mucho mas amplia de lo que pasa en clase y el nivel.

10) Alumno decide no seguir un trabajo y abandonarlo.

-¿Fracaso o éxito educativo?
cuando un alumno empieza un trabajo y decide desecharlo esto no significa un fracaso ya qeu a veces un proceso exige abandonar un ñparte del proyecto ,comprendiendo como se aprende y qué es lo importante, por lo que está aprendiendo del aparente fracaso. Este abandono no es para iniciar un nuevoe ejercicio es decir para aprender de los errores anteriores haciendo e iniciando un nuevo trabajo. Pero tambien hay que animar al alumno para que sepoa acabar sus obras ya que esto es parte del aprendizaje.

11) Alumno como individuo.
Hay que tener en cuanta que el alumno es una persona, un individuo, por tanto no debe ser tratado como una maquina.
Hay que tener en cuenta siempre las circunstancias que rodean al alumnos asi como problemas familiares,circunstancias del alumno, no solo las pruebas del aula.
Debemos sensibilizarnos con los alumnos hacia estos factores.
La evaluacion deberá estar presidido principalmente por el respeto al alumno y su trabajo.

ANÁLISIS DE LOS CRITERIOS DE EVALUACIÓN
TERCER CICLO

•1. Buscar, seleccionar y organizar informaciones sobre manifestaciones artísticas del patrimonio cultural propio y de otras culturas, de acontecimientos, creadores y profesionales relacionados con las artes plásticas y la música.
En este apartado falta una relacion más directa con los intereses de los alumnos y su entorno en relacion con las arts plásticas y musicales. Llevar a cabo grupos de investigacion utilizando todos los medios disponibles( periodicos, revistas, internet, enciclopedias y libros)

•2. Formular opiniones acerca de las manifestaciones artísticas a las que se accede demostrando el conocimiento que se tiene de las mismas y una inclinación personal para satisfacer el disfrute y llenar el tiempo de ocio.
Aqui podemos apreciar una participacion directa de los alumnos utilizando métodos lingüísticos, pero faltaría incluir debates sobre esos conocimientos adquiridos entre todos los miembros de la clase incluyendo, en menor medida, al profesor.

•3. Realizar representaciones plásticas de forma cooperativa que impliquen organización espacial, uso de materiales diversos y aplicación de diferentes técnicas.
Aquí incluiría tambien unas medidas de autoevaluación en conjunto para que los alumnos sepan tener un enfoque crítico ua la hora de dar calificaciones, para que sepan qué errores cometen en comun ,que fallos tienen ,ideas de otros compañero ,así como saber valorar el trabajo propio y el de los compañeros.

•4. Representar de forma personal ideas, acciones y situaciones valiéndose de los recursos que el lenguaje plástico y visual proporciona.
En este caso lo haría referente a cómo nos contruye.La idea principal trataría de representar las situaciones y las cosas que forman nuestra identidad y nos contruye tal y como somos y no de otra manera

•5. Utilizar de manera adecuada distintas tecnologías de la información y la comunicación para la creación de producciones plásticas y musicales sencillas.
En este punto matizaría que los trabajos se harían en grupo para saber convivir, adptarnos a los compañeros, llegar a acuerdos y ser capaces de trabajar en grupo.

•6. Comprobar las posibilidades de materiales, texturas, formas y colores aplicados sobre diferentes soportes.

Este tipo de trabajos para unos alumnos del tercer ciclo está bien pero desarrollaria mejor una actividad en la que buscaramos información sobre las imagenes sobre un tema específico ,como por ejemplo el machismo, imágenes que ocultan un doble sentido, que nos marcan unas pautas y unas ideología.
Esto les haría mirar de otra manera, les haría reflexionar y buscar preguntas complejas.

WEBGRAFÍA

tema_8_primaria.-_LA_EVALUACION_en_EA_8
Educacion_Artitica_en_la_LOE._Competencias

CONCLUSIÓN: REVISIÓN GENERAL

Una conclusión final sobre una asignatura tan completa como ha sido ésta es difícil pero se podría decir que más bien ha sido una asignatura que me ha sorprendido bastante.
En el colegio y en el instituto estamos acostumbrados a que cuando se dice plática o educación artística sólo pensemos en trabajos manuales y en dibujos.
En este curso me he dado cuenta que las cosas no son tan simples como parecen ni como nos han hecho ver a lo largo de nuestra vida.

Es cierto que no he obtenido notas altas en esta asignatura, no sé si por falta de nivel intelectual o falta de comprensión por mi parte, ya que he intentado acudir a las máximas tutorías posibles (cuando se ha podido) cuando he tenido dudas sobre los trabajos a entregar. Pero aún así sé que ahora soy una persona diferente, tras los trabajos realizados sobre: identidad, como nos construyen las imágenes, qué nos muestran las imágenes, cómo nos controlan e influyen y el poder que tienen sobre nosotros; he descubierto una parte de mi que tenía oculta, es parte observadora, interesada en lo oculto, en lo que está escondido, en lo que esconden las imágenes.
Ahora me conozco un poco más sé lo que soy y lo que muestro a los demás.

Puede que no haya logrado los objetivos marcados por el profesor pero sí esa parte mínima que nos ha querido enseñar, como es:
-Saber ver y no sólo mirar.
-Narrar con imágenes.
-Descifrar y descomponer un tema en algo más que lo superficial.
-A ver desde otro punto de vista la E.A.
– A valorar mí trabajo y el de los compañeros así como saber la opinión del profesor.
– A que el artista no nace sino que se hace con trabajo y dedicación.
– Que no debemos menospreciar el trabajo de nuestros compañeros, todas las obras tienen un significado y nos quieren contar algo.

Ya por ultimo decir que he acabado un poco aburrida del blog ya que resulta trabajoso tantas investigaciones y tener que expresarlos con imágenes.
Suelen decir que una imagen vale más que mil palabras, pero no cualquier imagen.
Es difícil encontrar la imagen adecuada y apropiada para lo que queremos expresar con exactitud.
No digo en este caso que el blog no haya servido de nada en mi formación, ni mucho menos, pero con sinceridad ha sido un “coñazo” salvo un par de temas que eran más amenos y no tan complicados en su comprensión y en su entendimiento los demás me han resultado tediosos.

{May 2, 2009} TEMA 7 MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

ESQUEMA

1. Lo que no es primaria

2.Educar a través de las artes y lo visual.

   –Modelo a) Aprender a dibujar.
   -Modelo b) E.A. para la creatividad y autoexpresión.
   -Modelo c) Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual.
     -Problemas severos.
   -Modelo d) Educación Artística para la comprensión crítica y performativa de la cultura visual

3.Eleccion del modelo de educación artística que vamos a usar.

DESARROLLO PERSONAL

1. Lo que no es primaria

Como todos sabemos en primaria se usa plática mas como una materia de entretenimiento que como materia de desarrollo intelectual y de la imaginación.
Pues bien todo esto es un gran error que se está cometiendo y que gracias a dios poco a poco se está desarticulando, haciendo de esta materia una manera más de contribuir a la formación personal e intelectual así como crearle una propia autonomía.

2. ¿Cómo podemos educar a través de las artes y lo visual?

Trabajaremos la zona de desarrollo próximo.

A) Aprendiendo a dibujar y B) E.A. para la creatividad y autoexpresión.

Enseñando a ver(percepción)La educación para la observación en los anteriores ciclos ha desarrollado una serie de hábitos perceptivos en los alumnos y alumnas por lo que, éste es el momento adecuado de empezar a usar dichos hábitos de forma organizada, de manera especial dirigidos hacia la contemplación de obras y manifestaciones artísticas, pudiéndose incluso iniciar la estructuración por movimientos artísticos, especialmente de los más próximos cronológicamente a los alumnos, pero sin olvidar aquellos que tengan manifestaciones observables en el entorno del alumno/a.

En términos generales, las estrategias de lectura de imagen se intensificarán, buscando estimular el espíritu crítico y la comprensión de los mensajes visuales del entorno (publicidad, TV, prensa…). El mundo que les rodea será objeto también de observación, cada vez menos guiada, con objeto de poder expresarse posteriormente mediante interpretaciones personales.
Las mejoras en la estructuración del espacio serán aprovechadas para profundizar en lo tridimensional. Realizando estudios previos sobre el plano y posteriormente elaborando los volúmenes.
La perspectiva, sin ser aún objeto de teoría, sí podrá ser trabajada de forma experimental, pero organizada, deduciendo algunos principios elementales y aplicándola al diseño y expresión gráfica.

Se continuará con las técnicas de los anteriores ciclos, pero con cierta profundización en algunos elementos teóricos de las mismas (características, utilización divergente, utilización a lo largo de la historia,…)
Dado que lo tridimensional empieza a ser inteligible para el niño/a se intensificarán los trabajos en volumen (modelado, maquetas, tallas simples…) y en la utilización de la fotografía tanto a nivel de observación e interpretación, como de realización (cámaras simples y ejercicios de lectura de las propias imágenes).
Es un momento muy adecuado para completar el proceso de aprendizaje de la planificación del trabajo, ampliándolo con el trabajo en grupo y culminando con la capacidad de valoración del mismo.
Las normas y habilidades a desarrollar incidirán precisamente en el correcto funcionamiento del trabajo en equipo, en la evaluación y autoevaluación, y en la capacidad de ordenar y organizar el propio trabajo.

• Educación sensorial

– Experimentación el mundo sensorial y fijación de relaciones entre el mismo y los sentidos.
– Desarrollo de la imaginación (creadora, narrativa, descriptiva).
– Potenciación del pensamiento creativo (interiorizar y elaborar imágenes mentales).

• Exploración del contexto

– Observación sensible del entorno y hecho artístico.
– Iniciación en la lectura artística de la imagen y en la comprensión de mensajes visuales.
– Observación y reproducción de texturas del entorno y creación de otras con diferentes materiales.
– Desarrollo de la memoria visual a través de ejercicios de observación.
– Tratamiento u observación de imágenes artísticas propias del entorno cultural andaluz.

• Estructuración espacial

– Utilización y tratamiento de la forma en el plano, creando figuras estructurales en proporciones relativas y en relaciones espaciales (arriba, abajo, encima, debajo…).
– Resolución de problemas simples de representación de lo tridimensional en el plano.
– Iniciación al formateo del soporte plano de trabajo.

• Proceso de producción

– Valoración de la importancia de la planificación en la realización de las actividades.
– Selección de materiales acordes con lo que se quiere expresar.

• Grafomotricidad

– Perfeccionamiento del gesto gráfico y adquisición de su control (postura, destreza, herramientas, procedimientos).
– Perfeccionamiento del trazo espontáneo y dirigido.
– Iniciación en el manejo adecuado y seguro de aparatos (proyectores, cámaras, iluminación…) bajo supervisión.
– Adaptación de la coordinación viso-manual (seguridad en el trazo), a la realización de actividades plásticas.
– Valoración de las actividades plástico – visuales en grupo.
– Iniciación en la valoración de la obra propia y de los compañeros y compañeras.

CAP 2 El dibujo infantil: imágenes, relatos y descubrimientos simbólicos.

Dibujar y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños en la escuela, por ello las características de esos dibujos, sus sentidos y significados, su evolución o desarrollo, son asuntos de la máxima importancia en Educación artística.

Los contenidos

¿Cómo dibujan los niños y las niñas?

-El principio de aplicación múltiple por el que una misma forma puede servir para representar muchas cosas diferentes.
-El principio de la línea base. La línea base es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo, sobre la que se apoyan o se sostienen los personajes,
– El principio de importancia del tamaño. Las figuras más importantes deben tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.
-El principio de aislamiento de cada parte del conjunto.
– El principio del imperativo territorial
– El principio de la forma ejemplar
– El principio del abatimiento.
– El principio de simultaneidad de distintos puntos de vista
– El principio de “visión de rayos x”.

¿Qué dibujan las niñas y los niños?

Después de haber cumplido un año, hasta que cumplen 3 o 4 años aparecen conjunto de marcas, trazos o garabatos.
Al final de la etapa del garabateo, la figura humana es uno de los primeros motivos en los dibujos infantiles

¿Cómo cambian con la edad los dibujos infantiles?

En los dibujos más pequeños no pueden distinguirse elementos figurativos, en cambio en los de 6 o 7 años cada línea y cada color está representado siempre algún elemento o detalle, una acción o un recorrido; las primeras figuras humanas que aparecen en los dibujos infantiles alrededor de los cuatro años parecen flotar en un espacio indiferenciado, como si no pesaran; en cambio las de los 7 u 8 años, ya estén de pie o acostadas.

La clasificación por etapas de Viktor Lowenfeld

La primera etapa o “garabateo” comprende desde los primeros dibujos que realizan los niños y las niñas hasta que comienzan a aparecer representaciones figurativas claramente distinguible, tales como las figuras humanos tipo “renacuajo” y los soles.

La etapa “pre esquemática” desde los cuatro a los siete años, viene caracterizada por 2 rasgos: por un lado, en los dibujos son fácilmente reconocibles las figuras y elementos que se han representado; por otro, el niño y la niña cambian frecuentemente de “esquemas” o fórmulas gráficas para representar la figura humana o cualquier otro elemento.

El espacio y el color durante la etapa “pre esquemática”, tienen un sentido fundamentalmente emocional.

En la etapa “esquemática” los siete y los nueve años, cristaliza un esquema o forma gráfica para representar cada figura o elemento habitual en los dibujos infantiles.

Los estudios evolutivos durante la 2ª parte del S.XX.

Las manifestaciones artísticas, donde las influencias culturales son más decisivas; y por tanto los sentidos y las funciones están fuertemente influidos por los contextos culturales.

Ives y H. Gardner propusieron una clasificación, que apenas contempla tres grandes fases, orientada a destacar el grado de influencia del medio cultural en los dibujos infantiles.

Dominio de patrones universales.
Florecimiento del dibujo.
Apego de las influencias culturales.

D. P. Wolf ha propuesto tres fases en el desarrollo de lo que él prefiere considerar como “diálogos” entre lo que las niñas y niños son capaces de dibujar.

-(2-6 años) Comprensión de los símbolos pictóricos.

-(7-12 años) Comprensión de los sistemas visuales.

-(13-18 años) Comprensión de la interpretación.

Las investigaciones sobre dibujo infantil: enfoques y objetivos.

El dibujo y el arte infantil, es un objeto de multitud de experiencias e investigaciones. Puede establecerse una clasificación en tres grandes tipos de investigaciones sobre el dibujo infantil.

1. Conocer a la persona o al grupo a través de sus dibujos.

En este caso el dibujo se usa como un instrumento de investigación.
El talento para el dibujo y las capacidades relacionadas con el rendimiento escolar.

Diferencias de género en el dibujo infantil.

Se realizó un estudio con niños y niñas. Se trataba de constar las partes del cuerpo humano que aparecen diferenciadas en el dibujo.

En general las niñas fueron superiores a los niños en habilidades para el dibujo, y tanto niñas como niños prefieren dibujar a personas de su propio sexo en sus dibujos.

El dibujo y el arte infantil.

El propósito de las investigaciones que investigan los dibujos es analizar sus características y explicar sus rasgos y cualidades.

Categorías narrativas en los dibujos infantiles.

Duncum

“Acción narrativa”. Los trazos, líneas o garabatos que aparecen en el dibujo representan una acción o secuencia de acontecimientos.

“Acción física”. Se trata de dibujos que forman parte de una acción o juego más amplio, que puede haber sido originado por el propio dibujo.
“Superposición”. Aspectos sucesivos de la acción se van superponiendo uno a otro, encima del mismo dibujo.
“Repetición”. En estos dibujos hay partes de escena que no cambian y otras, que son las que representan al personaje o al elemento principal de la historia, se dibujan varias veces en los momentos sucesivos de la acción que narra el dibujo.
“Yuxtaposición”. El personaje o elemento principal de la acción se dibuja una sola vez, mientras que los diferentes lugares o situaciones por los que discurre la acción se dibujan unos a otros.
“Evento gráfico”. Consiste en escenas en las que sucede cualquier tipo de acción y que no presuponen necesariamente ni un antecedente ni un consecuente.
“Evento secuencia”. De todo el proceso general de la acción se ha seleccionado una escena, que es la que se dibuja.
“Evento simultáneo”. En un solo dibujo aparecen múltiples eventos, que están relacionados en el espacio pero que no se desarrolla en el tiempo.
“Objetos separados”. Toda una secuencia narrativa se haya representada por un solo elemento, figura o personaje.
“Tira de cómic”. Esta modalidad corresponde a la estrategia habitual de los tebeos en los que la historia se narra a través de sucesivas viñetas.

El dibujo infantil como obra de creación multimedia.

El aprendizaje del dibujo: ¿qué son capaces de dibujar las niñas y los niños pequeños?

Algunas investigaciones se plantean averiguar qué estrategias características de los lenguajes del dibujo adulto pueden llegar a aprender los niños en la escuela primaria.

Dibujando del natural en la etapa del garabateo

Los métodos de enseñanza del dibujo en la escuela.

Dos grandes tendencias se han desarrollado sobre el modo de enfocar la enseñanza del dibujo en la escuela primaria. Estas son:

– Las tendencias creativas y naturales: Lowenfeld y Freinet.

La principal tarea de la escuela deberá consistir en lograr un clima de trabajo favorable a la autoexpresión creativa y al propio desarrollo natural, evitando la imposición de un modelo de representación que sea ajeno al mundo infantil.

-Aprender a dibujar a partir del arte: Wilson y Hurwitz

Su punto de vista afirma que la fuente principal de estudio para aprender a dibujar en la escuela son las grandes obras maestras del dibujo.

C) E.A. para el desarrollo de la percepción y alfabetización visual.

Este modelo surge con la LOGSE en 1990 y todavía hoy sirve en la LOE.
Está basada en el lenguaje visual, educar para consumir imágenes y cómo se pueden leer las imágenes.
Es muy importante a la hora de ver una imagen y analizarla que no se puede leer separada del contexto y que se comprenden por sus contextos., es decir, lo que importa es su contenido contextual.

La alfabetización visual es un requisito para pensar con claridad en el siglo veintiuno. En muchos sistemas educativos, la alfabetización visual solo la aprenden los estudiantes de artes, o quienes quieren ser fotógrafos o productores de video. Pero en la Era de la Visualización todos podemos beneficiarnos si desarrollamos un mejor entendimiento de lo visual, especialmente de los aspectos visuales que aparecen en los medios (Hoffman, 2000).
El beneficio de una alfabetización visual en la sociedad es que enriquece a los ciudadanos en su repertorio de las habilidades cognitivas y en el acceso de herramientas poderosas para el desarrollo del pensamiento creativo. El aprendizaje de conceptos científicos se refuerza con las imágenes que los representa.los pesimistas argumentan el valor de la alfabetización visual y en los medios con el propósito principal de auto defensa, como un conocimiento para resistir o contrarrestar la influencia de la publicidad.

Para el diseño de una visualización eficaz, los expertos han recurrido al cuerpo de conocimientos relacionado con la percepción visual humana y el procesamiento cognitivo de la información visual. Han encontrado en ciertas características de la exposición a los estímulos exteriores un procesamiento de preatencion, de alguna manera paralela al procesamiento serial para la identificación y categorización de los objetos. Las características de las exposiciones externas incluyen color, tamaño, contraste, inclinación, curvatura y líneas.

D) E.A. para la comprensión crítica y performativa de la cultura visual.

Para el presente trabajo nos ubicamos desde una definición de educación artística que se manifiesta específicamente en la enseñanza del arte en la básica primaria y la básica secundaria, aunque tomamos como punto de referencia el libro de Fernando Hernández,

Educación y Cultura Visual.

La educación artística que abordamos se refiere entonces a la educación de las artes en la escuela, en su dimensión curricular y para todos los ciudadanos, en oposición a la educación por el arte, que emplea el arte con fines amplios para enseñar todo el currículo y a la enseñanza de las artes para formar profesionales del arte, que se inscribe en espacios de educación superior o no formales.

Las teorías de formación material, son primordialmente que éstas carecen de reflexión sobre lo valorable o no de los contenidos enciclopédicos. Su objetivismo absolutiza los contenidos culturales, los desliga de su historicidad, los hace aparentemente incuestionables y no permiten ningún criterio pedagógico de elección. En este sentido podríamos ubicar algunas posturas sobre la educación artística que plantean sus contenidos basándose en los cánones para la producción artística o para el análisis formal de sus manifestaciones, la valoración de la historia del arte occidental como la única que debe ser enseñada, el concepto unívoco de “arte”; entre otras.

A las teorías de formación formal les cuestiona su falta de claridad frente a los contenidos. No dan criterios sobre cuáles contenidos pueden ayudar a la formación de las fuerzas y potencias de los individuos (que sería su punto de relación). Además se plantean abandonando el sentido de esas fuerzas o energías en y con el mundo. Podríamos recordar en este sentido los casos en los que la educación artística se enseña como trabajo manual, como desarrollo de habilidades y destrezas, como fuente de creatividad y quizás los últimos énfasis en el desarrollo de competencias a través del área, o en la educación por el arte.

La teoría de la formación categorial surge como alternativa que busca superar las deficiencias desde el punto de vista formal y material. En ésta, el ser humano se forma cuando se apropia, en la enseñanza, de la realidad cultural, para luego abrirse a esa realidad. Así se supera la antinomia sujeto-objeto y se devuelve al contenido su importancia. Se trata de una mediación entre las experiencias del mundo objetivo y el derecho del sujeto a ser él mismo y tiene como fin la autorrealización y la comprensión del sí mismo, y del mundo, mediante el mundo. El maestro aquí debe preguntarse entonces de qué manera es posible que los educandos, mediante la enseñanza, se apropien de los contenidos culturales elementales; pero ese aspecto metodológico no será ampliado en este escrito. Pensamos, según lo descrito, que las líneas trazadas por Fernando Hernández en Educación y Cultura Visual podrían nombrarse como una didáctica ubicada del lado de una formación categorial, en el sentido de la valoración de los contenidos artísticos como contenidos formativos y de la comprensión del sujeto (de sí mismo, de él en el mundo y del mundo), como la constitución de una subjetividad que está también siendo producida por las formas de representar a través de 39 (pensamiento), (palabra)… Y oBra

Imágenes que contribuyen en la construcción de su identidad (como sujeto y como comunidad).
La cultura visual se presenta como una nueva narrativa para la educación en las artes visuales, en tanto las narrativas son formas de establecer cómo ha de ser pensada y vivida la experiencia, en este caso, la experiencia escolar. La narrativa que actualmente vivenciamos en el terreno educativo se encuentra del lado del mercado; en ella “la educación no es un derecho, sino un servicio mediado por las tecnologías… los alumnos y las familias son clientes del Estado”. Las narrativas pueden convivir en un tiempo aunque respondan a lógicas diferentes e históricamente situadas. Algunas pueden ser fijadas por organismos internacionales y externos a las escuelas y los docentes, pero, mostrándolas en sus condiciones históricas, podríamos pensar nuevas narrativas a partir de otros intereses.

Hernández plantea que en el camino de estas nuevas narrativas, todas las concepciones y prácticas pedagógicas pueden y deben ser interrogadas, todo lo que sucede en la escuela puede ser apasionante, todas las normas de homogenización pueden ser quebradas y el enseñar es un acto performativo en tanto requiere relaciones de reciprocidad, no de espectáculo ni de expresiones sobre el desinterés de los alumnos.

Hernández propone otro concepto de arte que subvertiría su sentido clásico: considerarlo como práctica social, que además de producirnos sentimientos ante un cuadro, una danza o una pieza musical, también nos dice algo sobre nosotros mismos.

Actualmente, podemos notar cómo las imágenes “entran” a la escuela siempre y cuando tengan una utilidad pedagógica porque permiten fijar el sentido de las palabras en los métodos de lectura, o ilustrar moralmente.

Por otro lado, desde el discurso de la educación se tiende a pensar que la cultura visual pervierte a los infantes y a los jóvenes:

No hay más que pensar en lo que se ha hablado y se habla sobre la influencia nefasta de la televisión, y ahora de los videojuegos o Internet.

3.Eleccion del modelo de educación artística que vamos a usar.

El modelo que más me interesaría implantar en las clases de mis alumnos sería el Modelo D ya quepara mí es el mas interesante, completo y es el que mejor se adapta a los alumnos.
En el Real Decreto (LOE) podemos ver que en la presentacion del área de artística olvidan la parte de comprensión crítica y lo relativo a la identidad.
Por ello debemos llevar a las aulas y enseñarles a los alumnos la manera de a través de las imagenes narrar y poder contar como un medio de expresión más así como saber el significado de las imágenes, para qué sirven y qué nos quieren contar.

WEBGRAFIA

http://www.congresoretosyexpectativas.udg.mx/Congreso%204/Mesa%202a/m2a16.pdf
http://www.juntadeandalucia.es/averroes/publicaciones/55321/libpri03.pdf
http://www.pedagogica.edu.co/revistas/ojs/index.php/revistafba/article/viewFile/87/54
TEMA_7_Ed_Artistica_Modelos_de_Educacion_Artistica
CAP 2 El dibujo infantil: imágenes, relatos y descubrimientos simbólicos. Ricardo Marín Viadel

{May 2, 2009} TEMA 6 LAS IMAGENES Y LO VISUAL

ESQUEMA

A)LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO

1.Las imagenes presentes en los componentes del ser humano
-Las imagenes influyen en todo lo que hemos visto

2.Conocimiento complejo
-huir de las interpretaciones correctas.
-Lo que nos enseñan ¿ quién lo elige?
-Las artes: materia mal estructurada.
-El conocimiento es complejo.
-Valor cognitivo de las artes.
-Objetivo de enseñar arte.
-Trabajar con preguntas complejas.

B) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL :TIPOS DE IMAGENES.

1) Imágenes como representacion de la realidad.
-Figurativas : hiperrealismo y mímeris
-Abstractas:orgánico, geométrico, gestual,action painting
-Posibilidades intermedias: idealista,movimiento,síntesis,esquemática

2).Tipos de imagenes.
-Segun su funcion: informativos, publicidad,porno,ornamentales,obras de arte, entreteniemiento,conmemorativas,etc
-» Obras de arte»

C) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL:CANALES DE DIFUSIÓN

-Canales de difusion.
-El control de los canales.
– Canal de la propia realidad.

DESARROLLO COMPLETO

A)LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO

1. Como todos sabemos las imágenes están presentes en el ser humano, referidas a problemas y cosas que suceden en la sociedad y en nuestro entorno, por lo que todas las imagenes influyen en todo lo que hemos visto.
Las obras es un lugar donde se unen esos contextos.
Es el ejemplo de la siguiente imagen:

En esta obra de Goya llamada los fusilamientos del 3 de Mayo vemos representada la situacion en la que se encontraban los españoles en 1814 despues del amotinamiento.
Nosotros no podemos ver gravado ni hay persona viva que nos pueda contar estas historias de 1814 por lo que esta obra nos cuenta una parte de esa historia que se vivió en ese momento.

¿Que nos cuenta esta obra? ¿qué sabemos de ella?
Sabemos que es de Goya.
Que se representa los fusilamiento del 3 de Mayo.
Que la ponen en selectividad.
Que los que disparan son franceses.
Engañaron al rey de España diciendoles que les dejara pasar para ocupar Portugal ,y así poder entrar en España e invadirla.
Es en Aranjuez ,porque Godoy se dió cuenta de las intenciones de Napoleon y trasladó a los monarcas al Palacio Real de Aranjuez.
La importancia de la Luz.Vemos como le da un claro protagonismo a los fusilados dandole mayor claridad y luminosidad y dandole a todos los demas tonos oscuros.

2.Conocimiento complejo.

Como su misma palabra indica el conocimiento es complejo por lo que no hay interpretaciones correcta ni incorrectas sino diferentes.Todo esto dependerá de las personas, su ideología, la raza , nacionalidad, etc.
Pero todo nuestros conocimientos a través de las cuales interpretamos las obras ,¿de dónde procede? ¿quién nos lo enseña?
Lo que nos enseñan lo elijen otros y nos enseñan a pensar de una determinada manera.
Esa manera de pensar y esos conociemientos que recibimos de pequeños nos influirá en nuestra manera de ver las cosas y de percibirlas.
No debemos quedarnos sólo con lo que nos enseñarnos sino que debemos ir mas alla y llegar a conocimientos mas complejos y de mayor interés para nosotros.Debemos crear una actitud investigadora para no quedarnos solo con lo que nos enseñaron sino ver otros puntos de vistas quedarnos con la que mas se adapte a nosotros.
Con todo esto decir que a los niños hay que crearles una actitud investigadora, de independencia y autonomia así como de espiritu y enfoque crítico para saber investigar e identificar la informacion adecuada y correcta.

-Las artes es una materia mal estructurada en la enseñanza.
-El conocimientos es mucho mas complejo de lo que nos enseñan en el colegio pero es comprensible ya que necesita ser sencillo para llegar a los alumnos ya que un extensio del conocimiento podria aburrir a los alumnos hasta llegar al punto de ser incomprensible para ellos.
Pero como hemos dicho anteriormente siempre tenemos que tener ese gusanito e inculcar a los alumnos a que investiguen y vean todas las opciones de la informacion y el conocimiento.
Tenemos que entender que las cosas que suceden y la que nos encontramos dia a dia tenemos que contextualizarlas, es decir que verlas y entenderlas segun en el contexto en el que se encuentran.
En claro ejemplo lo podemos ver en la siguiente imagen donde vemos 2 mujeres árabes, la mujer de la izquierda viste de forma occidental y la de la derecha con un burka. En una ciudad occidental la primera mujer no llamaria la atencion sin embargo en su pais sería algo raro, llamaría la atencion e incluso se podria ver como una provocación e insulto por lo que es importantisimo relacionar las imagenes con los contextos en las que se situan, ya que siguiendo con el ejemplo anterior de la mujer con el burka ésta mujer sería observada y reflejaria sorpresa en un pais occidental ya que esa manera de vestir tan radical no es habitual, ni normal ver por occidente.

-Valor cognitivo de las artes.
Según Eflaud hay 4 argumentos:
Flexibilidad cognitiva, esto quiere decir un campo abierto al analisis complejo.
Integracion del conocimiento, contextualizar e integrarlo a los conocimientos.
Imaginacion, es importante ya que ayuda a establecer conexiones.
Y estético.
Todo esto es muy importante debido a que todos estos puntos contribuiran a la compresion crítica que es el objetivo final de enseñar las artes.

Cuando trabajamos con obras o imagenes es importante hacernos preguntas complejas, reflexionar sobre lo que estamos viendo y no quedarnos en lo superficial. No sólo ver sino mirar. Aprender a mirar y observar los detalles , lo que nos cuenta y lo que no nos cuenta, lo que nos quiere decir y lo que interpretamos, etc
Es mejor «OJO CURIOSO» que » BUEN OJO» ya que si tenemos un buen ojo pero no los usamos no sirven de nada sin embargo si tenemos un solo ojo pero somos personas que nos gusta indagar, observar,mirar y ver mas allá de lo superficial es mejor que tener 2 buenos ojos.

B) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL :TIPOS DE IMAGENES.

1.Las imagenes que representa la realidad nos las podemos encontrar de 2 tipos:
– figurativas dentro de las cuales se encuentras las hiperrealistas y las de mímesis.
-Y las abstractas que son parecidas a la realidad dependiendo del toque o punto que le dé el artista.

Esta imagen es una representación de la realidad hiperrealista( se parece a la realidad que representa)
Esta otra imagen es figurativa pero esta ya no es hiperrealista sino que es llamado mímesis , se parece a la realidad pero no es totalmente realista.
A continuacion vemos una imágenes que no se parecen a la realidad pero que la representan de una manera abstracta. Hay varios tipos de arte abstracto: 1.orgánico (curvos irregulares)
2.gestual( que depende del estilo del autor),
3. geométrico y
4. action painting.
1.2.3.
4.

Hay muchas posibilidades intermedias para representar obras realistas, tanto absolutas como abstracción.
¿Qué quiere decir esto? esto quiere decir que una obra puede ser realista y parecerse y ser una copia de la realidad(absolutas) mientras que de la otra manera podemos representar tambien la realidad pero una realidad mas abstracta.
En la siguiente imagen podemos ver un claro ejemplo de realidad absoluta.
En una escultura idealista se busca la perfeccion del cuerpo , todos los detalles y la mayor igualdad de la figura con el modelo.
Otras destacan las lineas del movimiento en las que se centra la pintura o escultura en representar y crear sensacion de movimiento.
Tambien podemos encontrar obras de una forma mas simple en la que no tiene muchos detalles sino que se queda en lo superficial.

Y por ultimo tambien encontramos otro tipo de obras realistas con muchos menos detalles, son los llamados esquematicos que se quedan en lo mas superficial, en lineas y curvas.
Por lo que podemos deducir que el realismo de una obra va a depender de la función que ésta vaya a tomar, del grado figurativo que quiera tomar el autor y del grado de realismo que quiera expresar.

2.Tipos de imagenes : Segun la funcion

Las imágenes no nacen solas ni son anónimas. Detrás de cada una de ellas hay siempre unos individuos y que tienen una intención. Han estudiado a quiénes va dirigida la imagen. Así, detrás de toda imagen hay siempre alguien que desea lograr algo de alguien.

Pero, ¿qué cosas se puede desear lograr a través de imágenes? Todo depende del contexto.
Un contexto es una situación particular definida por indicadores geográficos, temporales, psicológicos y sociales, en la cual se manifiesta una intención. Un contexto tiene la virtud de explicar toda una clase de acciones e interacciones entrelazadas entre sí en función de una intención.
Veamos, a modo de ejemplo, algunos de esos contextos típicos que suelen generar diferentes clases de acción comunicativa mediante imágenes.
Una primera situación contextual : las relaciones de compra/venta o de producción/consumo. Aquí se generan todas las imágenes de la publicidad comercial y de la promoción industrial-mercantil, siendo la intención básica la de vender un producto o servicio. Esta intención tiene poco o nada que ver con la calidad del mismo, con su utilidad o con la veracidad del mensaje. Aunque algunos productos son, de hecho, mejores que otros, la imagen publicitaria no refleja esta relación de modo directo, ya que su intención es persuadir y no describir la realidad objetiva.
En los contextos informativos en general, que están marcados por las relaciones de transmisión de información, sí se pretende una supuesta descripción o explicación de la realidad objetiva. Un caso particular de esta clase de contextos es el de enseñanza-aprendizaje, donde la intención básica es instruir, tanto si se trata de situaciones educativas como si se trata de situaciones de adiestramiento organizacional o de orientación de usuarios. Aquí se generan todas las imágenes instruccionales que ya conocemos por los textos escolares, los materiales de entrenamiento, los manuales de usuarios, etc.

Otro caso particular de contextos informativos es el periodismo,
donde la intención básica es la difusión de hechos y análisis de acontecimientos. Por supuesto, el periodismo audiovisual depende en mucha mayor medida de las imágenes que cualquier otro tipo de comunicación informativa. En un plano de intenciones muy subyacentes, es probable que toda imagen informativa cumpla funciones de manejo de actitudes y opiniones a través de la distorsión de la realidad objetiva -tanto en contextos educativos como en los casos periodísticos- de acuerdo a los intereses del sector dominante. Sin embargo, en un plano superficial es de suponer que la intención básica está referida a la descripción o explicación de la realidad objetiva.

Otra cosa diferente ocurre en los contextos de entretenimiento,
del tiempo libre, donde la intención básica es distraer, recrear o hacer pasar el tiempo. En estos contextos la realidad descrita no es objetiva, sino de ficción; aun cuando se trate de historias reales, la parte objetiva es sólo una base de construcción de imágenes, ya que los modos de presentarla y de organizarla constituyen fuertes elementos de alteración que la convierten en una realidad ficticia, en mayor o menor medida. Aquí se generan todas aquellas imágenes del cine y la televisión convencionales, algunas de las cuales pretenden divertir o hacer reír, otras conmover, otras aterrorizar, etc.

Hay muchos otros contextos tales como el de las relaciones políticas y de poder (imágenes electorales), el de las relaciones organizacionales (logotipos y emblemas), el de las relaciones disciplinarias (señales de tránsito) y muchos más, incluyendo, por supuesto, el de las relaciones sentimentales y amorosas (tarjetas de salutación). De todos modos, lo importante de esta idea es que toda imagen tiene una intención que define su función de acuerdo a las características de un contexto. Es decir, las imágenes persiguen siempre obtener algo de alguien en relación con una red de circunstancias preestablecidas. Según esto, un buen “ lector” de imágenes sabe identificar las intenciones de fondo y reconocer cada contexto; en consecuencia, es capaz de determinar hasta qué punto esas intenciones son compatibles con sus propias necesidades y en qué medida él participa o se involucra en ese contexto.

-» Obras de arte»
Hay muchos tipos de arte pero ¿quién se encarga de decir y clasificar el arte?
Es dificil decidir qué es arte y qué no lo es pero mostraremos algunos tópicos sobre el arte:: hecho a mano, difñisil, valioso, bello, expresivo,etc

Pero todos tienen un mismo fin el de querer expresar algo,contar una historia, crear sensaciones, crear polemica, hacer publicidad, dominar, recordar…
Por lo tanto no debemos poner etiquetas y clasificar las imagenes ni las obras sino disfrutar de ellas, absorber, preguntar que nos quieren decir, como nos construye y como nos influyen.

C) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL:CANALES DE DIFUSIÓN

Todas estas imágenes que vemos a travé s de revistas, periódicos, y televisión están controlados normalmente por unos pocos que tienen el monopolio de la mayoria de revistas y canales de televisión.
Pensamos que la informacion es eso , simple información pero debemos saber y tener en cuenta que dependiendo del canal de transmision una misma noticia se puede enfocar de varios puntos diferentes segun las ideologias, es decir, las noticias y la informacion que nos dan no son neutras.
La labor de la escuela como hemos dicho anteriormente es enseñar a ver mas allá de las imagenes , ver lo oculto, la letra pequeña de toda imagen y toda informacion.
Otro canal de es el espacio virtual, internet, un mundo infinito donde se pueden encontrar imagenes y videos privados la otra punta del planeta sin ser conscientes de ello. El simple hecho de subir una foto o mandarle un email a un amigo ya estamos haciendo público esa imagen a traves de los internautas.
Todos estos hechos suponen a menudo un conflicto etico.

-El control de los canales.
– Canal de la propia realidad
.
el bebé de las marcas… porque somos personas que sin querer ni darnos cuenta estamos dando publicidad a unas ciertas marcas.PROPUESTA DIDÁCTICA

Los canis una moda que se identifican por unas conducatas y una manera de vestir oro, nike, blanco, colores llamativos y ropa estrecha.

La moda hippi que nos invade aora, ¿quien impone esas modas? ¿porque todas las chicas vestimos igual? porque en las tiendas ahora sólo hay un tipo de ropa, desgastada y hippi. ¿El año pasado encontrabamos este tipo de ropa?no era un tipo de ropa distinta donde predominaba el morado y sólo encontrabamos ese tipo d ropa en las tiendas.

En España el 80% de los canales de difucion estan controlados por dos grupos que controlan los medios de comunicacion en todos sus ambitos,, prensa,revistas,radio,internet, television,etc Estos 2 grupos son :
1.Grupo Planeta

2.Grupo Prisa http://www.prisa.com/

Estos 2 grupos son los que manejan nuestras vidas, deciden qué ver, qué comer, quienes serán nuestros idolos, a quien odiar, a quien adorar.
Somos victimas de la manipulacion concentida.Esta manipulacion y monopolio de los canales ¿no es como una dictadura?
Debemos educar a nuestros alumnosn para que sean capaces de ver estas cosas y que tengan la oportunidad de elegir si quieren esto o no y tener un enfoque crítico para saber identificar que lo que nos rodea no es mera casualidad sino impuesto por unos pocos que nos quieren vender algo o cegarnos de alguna manera.

Según el tema expuesto anteriormente sobre las imágenes y lo visual lo desarrollaría al nivel del tercer ciclo.

Las competencias que se darán serán:

–Competencia cultural y artística donde utilzaremos las técnicas y recursos propios ,ayudando al alumnado a iniciarse en la percepcion y la comprensión del mundo, asi como en su expresión y comunicación con los demás.
Dotarlos de medios para valorar y formular opiniones fundamentadas en el conocimiento.
-Competencia para la autonomía e iniciativa personal, dandoles posibilidad de optar con criterio propio y espíritu crítico y llevar a cabo las iniciativas necesarias para desarrollar la opción elegida y hacerse responsable de ella.
-competencia en el conocimiento e interacción con el mundo físico,la Educación Artística trabaja sobre las imágenes que “construyen” el mundo, sobre el modo de percibirlo e interpretarlo, etc.
-Competencias de tratamiento de la información y la competencial digital,acerca al alumnado a la creación de producciones artísticas y al análisis de la imagen y desarrolla la competencia en la búsqueda de información.

Los objetivos:

•Valoración y apreciación de la obra artística como instrumento de comunicación personal y de transmisión de valores culturales.
•Análisis y valoración de la intención comunicativa de las imágenes en los medios y tecnologías de la información y comunicación.
•Empleo de tecnologías de la información y la comunicación para el tratamiento de imágenes, diseño y animación, y para la difusión de los trabajos elaborados.
•Preparación de documentos propios de la comunicación artística como carteles o guías. •Disposición a la originalidad, espontaneidad, plasmación de ideas, sentimientos y vivencias de forma personal y autónoma en la creación de una obra artística.Constancia y exigencia progresiva en el proceso de realización aplicando estrategias creativas en la composición, asumiendo responsabilidades en el trabajo cooperativo, estableciendo momentos de revisión, respetando las aportaciones de los demás y resolviendo las discrepancias con argumentos.

Los criterios de evaluación que he seleccionado en función del nivel , las competencias y los objetivos marcados son:

-•Representar de forma personal ideas, acciones y situaciones valiéndose de los recursos que el lenguaje plástico y visual proporciona.
•Utilizar de manera adecuada distintas tecnologías de la información y la comunicación para la creación de producciones plásticas y musicales sencillas.
•Formular opiniones acerca de las manifestaciones artísticas a las que se accede demostrando el conocimiento que se tiene de las mismas y una inclinación personal para satisfacer el disfrute y llenar el tiempo de ocio.
•Observar y explicar cómo las imagenes son parte de nosotros y nos construye , asi como relación de las imagenes con nuestra propia identidad.

WEBGRAFÍA

Educacion_Artitica_en_la_LOE._Competencias
Tema_6_Primaria_Conocimiento_complejo
Tema_6b_Tipos_imagenes
Tema_6c_cANALES
http://www.prisa.com/

{May 2, 2009} TEMA 5 IMAGINARIO

¿ QUÉ ES EL IMAGINARIO? Y ¿ CÓMO NOS INFLUYE?
A continuación voy a dar un a breve definición sobre qué es el imaginario y cómo influye a las personas en su modo de pensar y cómo nos construyen esas imagenes.

Para conocer que es el imaginario hemos de tener claro que es lo real.Lo Real es la realidad no imaginada y menos aún verbalizada, siempre presente pero continuamente mediada por lo imaginario y lo simbólico, es por lo imaginario y lo simbólico que el ser humano tiene un «sentido común» que le da la noción de la realidad pero esta noción de realidad es siempre parcial, en perspectiva e incluso engañosa hasta la ilusión (ejemplo de un «sentido común» y una realidad engañosa es la ilusión según la cual el sol y los planetas giran en torno a la Tierra, hizo falta un gran esfuerzo de imaginación y simbolización para develar que tal realidad era falaz).
Se puede decir por tanto que el imaginario se construye a través de las imagenes, es un modo de pensar con imagenes.
Como hemos dicho antes el imaginario influye en cómo pensamos ya que las imágenes son una elaboracion cultural por lo que la construccion de nuestro imaginario está construido por otros a los que les interesan que eso sea así.
Un ejemplo claro es en la construccion que nos hacen sobre Brasil, cuando hablan de Brasil o nos lo imaginamos tenemos en mente unas imagenes claras:

Pero esta percepcion que tenemos de Brasil es impuesta por otros, es la imagen que quieren que tengamos otros sobre este País.
Pero ¿dónde está la verdadera Brasil?
amazonas-ok
En esta película llamada «Ciudad de dios» podemos ver la otra cara de Brasil,esa parte que no nos quieren mostras y por la cual muchos de nosotros no la tenemos en nuestro imaginario cuando hablamos de Brasil.
En conclusion con todo esto quiero que seamos capaces de construir nuestro propio imaginario y no dejar que otros la construyan , si investigamos, si nos informamos sobre las informaciones y los mensajes que nos llegan seremos personas críticas capaces de construir nuestro propio imaginario con lo que seremos personas libres y espontáneos de lo que pensamos.

Los imaginario también se construyen y se alimentan de imagenes hechas anteriormente como por ejemplo:
Esta es una imagen sobre la película de «la guerra de las galaxias» de las cuales podemos ver versiones hechas posteriormente de otras series animadas referidas y haciendo alusión a la película usando el imaginario creado para esta películas.
Nuestros imaginarios cambian con el tiempo, se van adaptando a nuestras necesidades y a las ultimas modas y a la actualidad.
En las imagenes de abajo podemos ver como la misma película es modificada al paso de los años y actulizada segun las necesidades del espectador y las ultimas tecnologias en el cine.

2.La identidad

Las imágenes tambien inlfuyen en nuestra identidad tanto niños como niñas, adultos, ancianos, cultura, etc.
¿pensemos cómo nos influyen estas imagenes? o ¿cómo influyen a los niños estas imágenes?
Esto es lo que ven a diario en sus casas , en la tv, en las revistas y en ls tiendas y publicidades… ¿ pero son la mayoria de las mujeres como ellas? ¿por qué no ponemos a mujeres normales y corrientes?¿ porque las representaciones de las mujeres no es como son el 95% de las mujeres?

Por lo que si no queremos que nuestros hijos,hermanos, primos o sobrinos no sean capaces de entender quienes son y cómo quieren ser es importante que trabajemos la identidad desde pequeños en las escuelas.
La identidad la podemos trabajar desde diferentes campos segun la variedad o el tipo de alumnos que tengamos.
Podemos trabajar temas de identidad sobre cultura de origen,
sobre nuestro entorno, la identidad de los propios niños, de la escuela y también nuestra propia identidad.

Reflexionemos sobre estas imagenes:

En la primera imagen vemos el primer logotipo de la cerveza cruzcampo en la cual podemos ver un hombre gordo y mayor sentado en una barril y con una cerveza en la mano.
Al tiempo la preocupacion por la gente joven y la que no es tan joven de su imagen y su peso hizo tener que cambiar la imagen de cruzcampo por un hombre ya no tan mayor y sin esa gran barriga que caracterizaba al hombre de cruzcampo.
Esta barriga tan peculiar dió nombre a ese tipo de barrigas con el nombre de » barriga cervecera».
Con todo esto que queremos decir, pues que las imagenes nos construyen, nos vemos influenciados por las imagenes.

3.¿por qué actuamos como actuamos? ¿ qué dicen las imagenes de nosotros? ¿influyen las imagenes en nuestra manera de comportarnos? ¿ me comporto como quieren que me comporte?
Nuestras vidas son relatos, historias que contruimos nosotros mismos a traves de imagenes , construidas por el imaginario.
Estas fotos son las imagenes que he encontrado en los facebook y tuentis de adolescentes de entre 15 y 17 años que como podemos comprobar son todos muy parecidos y todos nos quieren contar lo mismo y que bien nos pueden responder a las preguntas anteriormente planteadas.

{abril 23, 2009} Mis 40 principales

presentacion-los-40-ppales

{febrero 10, 2009} PATRIMONIO DE VENECIA.

En este artículo encontramos reflexiones sobre el por qué de los patrimonios.
¿Qué se considera como patrimonio? es un testimonio del pasado, pero ¿quién determina que algunas cosas del pasado se consideran patrimonios y otras no?
Como ya he expresado anteriormente en el tema 5 esas personas son personas influenciadas y manipuladas por otras más poderosas a las que les conviene que algunas cosas sean importantes para la sociedad y otras no.
También comentaba en el punto anterior que los patrimonios se ven influenciados según la etapa historia o momento histórico de cada país.
Es el ejemplo claro de los Budas gigantes de Bamiyan los cuales fueron bombardeados por los talibanes para los cuales esas mismas esculturas no significaban nada incluso una ofensa para su religión.

¿Por qué las obras tienen valor? ¿Qué nos aportan esas obras a nuestras vidas? ¿Nos vemos influenciados por esas obras? ¿Nos dan de comer a caso esas obras? ¿A quienes importan ese valor? Como siempre todo esto nos lleva a un mismo camino, la selección de lo que valioso es una práctica de poder.

¿Qué es lo q vemos o como interpretamos las obras de arte? Cada persona interpreta y construye una narración propia de la misma obra esto depende de nuestras experiencias, nuestra dforma de ver la vida, nuestra cultura, costumbres, nuestro hogar, nuestro entorno y por supuestos de nuestra personalidad. Cada persona tiene una visión distinta a la hora de interpretas las obras de arte.
El patrimonio nos permite construir nuestra propia visión del pasado e interpretarlo.

¿Cuál es el papel de la escuela y del educador?
Es crear en esos alumnos sus propias visiones y pensamientos sobre cómo mirar e interpretar esas obras, hacerles sentir y reflexionar sobre lo que ven y que significa o que les trasmite esa obra.
La escuela es un ámbito para ayudar a las personas a construirse y construir el mundo.

{enero 28, 2009} Tema 5 Construir interpretaciones para comprender las narrativas en Ed.Artistica.

Sobre una misma imagen hay interpretaciones diferentes.
Segun la persona y sus puntos de vista donde una persona ve un arbol otro puede ver un bosque.
Dependiendo de nuestras experiencias personales , nuestro entorno, la sociedad donde vivimos, cómo nos han educacado y por supuesto nuestra propia personalidad interpretamos las imagenes diferente de otras personas.

En el tema de la escuela es un error dar las clases como si todos fueramos iguales.

¿Por qué vamos a ver arte? porque en el colegio nos llevan a ver arte para culturizarnos y que sepamos qué cuadros son importantes y de que pintores son esos cuadros.
¿ que esperamos de las obras de arte? para algunas personas ver arte es ver la belleza de la vida , ver los sentimientos del momento, de esa epoca o de ese pintor, es ver una realidad de una vida que no es nuestra. Para otros es simplemente ver cuadros que todo el mundo admira y que todos sabemos que es» UNA BUENA OBRA»
Estamos educados a admirar los cuadros no a observarlos.
¿ Las obras de arte nos plantean reflexiones sobre nosotros? no es mi caso, tal vez a algunas personas entendidas un cuadro sea capaz de hacerle reflexionar sobre sí mismo.
¿Quién dice que por ejemplo el nº1 es una obra de arte y el nº 100 no lo es? ¿ Los politico?, ¿los entendidos que están alrededor de los politicos?, ¿los representantes de los autores? ¿Los autores que tienen contacto con el poder? ¿ Unos cuantos? ¿El Poder?….

Segun el contexto , la epoca, las modas, las personas del poder, los significados de las obras y las buenas obras varían.
El David de Miguel Angel era al principio solo una representación religiosa.
Despues representó el poder
Más tarde se convirtió en el modelo fisico, modelo de perfección.
Despues un referente del arte en europa….
Las cosas, asi como las obras tienen un valor inestable y cambiante.
¿Por qué le damos valores a las obras de arte?,¿tienen las imagenes poder sobre nosotros?

Hay muchas posibilidades de ver la realidad y construirla. ¿Cómo se construye la masculinidad? ,¿quién la construye? ¿ porque un signo de masculinidad es tener pelo cuando una parte de la genetica en el hombre es la alopecia? ¿por qué una mujer es mas mujer con mucho pecho?¿ significa que una mujer si tiene poco pecho es menos mujer? ¿quién se beneficia con todos estos estereotipos?
Las modas y el modo de ver las cosas van cambiando antigüamente los hombres llevaban pelucas blancas hoy en dia no puede haber hombres canosos porque buscamos la eterna juventud.
Las mujeres rellenitas era antes un signo de salud y belleza hoy en dia son discriminadas y nos bombardean con niñas anorexicas y cuerpos»10″.
¿QUIÉN IMPONE ESTAS MODAS? ¿QUIENES SE BENEFICIAN DE ELLAS?

¿qué es arte?

Arte,la imaginación puesta en practica

Amplia palabra…Arte…
se que los humanos vivimos acompañados del mundo de las representaciones concretas o ideales(de idea), desde el principio,
el arte lleva un relato interno dificil de definir con palabras, se descubren nuevas cosas en diferentes èpocas y a variadas generaciones, quizas ese sea uno de sus valores,
pero no encuentro definiciòn con la que estè de acuerdo.

Con una secuencia de imagenes con sentido intentamos narrar, decir, contar algo que queremos dar a conocer y que nos conozcan.
¿Cómo podemos narrar a través d las imagenes?
Como anteriormente he comentado las imagenes nos cuentan cosas nos dicen qué vemos pero cada persona ve una cosa diferente por lo que si queremos contar nuestra historia y no sólo que la interpreten debemos incluir imagenes especificas y saber qué queremos contar exactamente.Podemos incluir imagenes( con expresiones,momentos unicos),objetos( que creemos q nos identifica) , textos, videos, musica, libros…
Nuestras narrativas nos hace ver cómo nos vemos nosotros , nos hace reflexionar sobre nosotros mismo y de cómo somos ante los demas.
¿Cómo me ve la gente? ¿cómo me veo yo? ¿qué quiero mostrar? ¿ qué quiero que sepa la gente de mi?
¿La gente me ve tal y cómo soy o como quiero mostrarme?
Las imagenes construyen nuestra vision del mundo, incluso podemos ver a traves de las imagenes cosas que no están a nuestro alcance :momentos en directo de otro pais, imagenes del pasado, imagenes del espacio,etc.

«NO» a la concepción restrictiva del arte. A aquellos que se apropian de bienes universales como el arte o dios y ejercen derecho de admisión mientras interpretan a su pequeña manera.
No sólo vale la plástica a la hora de compartir nuestros latidos.
Yo veo arte en mis poemas o en la obra de un chef.

Arte = Expresión. No limitemos la definición de Arte. Yo veo Arte hasta en el aire. La Vida es Arte, la Humanidad es Arte, el Universo es Arte. Saludos Cristina siempre que me cautives seguire tu Arte.

Las imagenes son importantes para nosotros, queremos tomar recuerdos de los momentos vividos, de momentos unicos y de personas importantes.
Es una manera de construir nuestra vida con una narrativa de imagenes. Queremos ver ahora imagenes de cuando eramos chicos , momentos de esa epoca, ¿qué hacia cuando tenia 3 años? ¿ qué me gustaba? ¿iba al parque?
Nos gusta detener y capturar el momento con imagenes para así recordar quienes eramos y que hacíamos.

ARTE ES VIDA, ENCIERRA LA ESENCIA HUMANA Y LA EXPRESA LIBERANDOLA DE TODO PERJUICIO Y PREJUICIO Y DE ESTA FORMA TAMBIEN HACE AL HOMBRE LIBRE.

{enero 6, 2009} Tema 4

¿Por qué existen las imagenes?
Las imagenes:
-representan la realidad que nos rodea representa-realidad

-Podemos conocer cosas que no hemos visto cosas-q-no-emos-visto

-Representan emociones, sentimientos…

-Para comunicarnos algo
-Convencer
-Marketing
-Publicidad

-Otras formas de vestir
formas-de-vestir -Ayudan a las explicaciones
-Crear expectacion

–Inmortalizar el momento

–Una imagen dice mas que mil palabras MIDEAST ISRAEL PALESTINIANS

-Representar lo inexistente. representar-inexistent

-Atrapar la atencion. atrapar-atncion

-Distorcionar la realidad.

La fotografia como arte:
683678

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que éste era mucho más barato. Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un arte.

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto.Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.

Cuando los conocimientos en óptica estuvieron lo suficientemente avanzados, los pintores descubrieron la manera de proyectar una imagen sobre una película de papel con aceite. Lo que les permitía tomar notas rápidamente con la desventaja de una inversión de la imagen y un reducido tamaño. Esto coincide con el auge del realismo en la pintura.

Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara a la película.

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador. fusil

Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.

La sociedad del espectáculo abajo-la-sociedad-del-espectaculo-toni-500

-Toda la vida de las sociedades en las que dominan las condiciones modernas de producción se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que era vivido directamente se aparta en una representación.

-Las imágenes que se han desprendido de cada aspecto de la vida se fusionan en un curso común, donde la unidad de esta vida ya no puede ser restablecida. La realidad considerada parcialmente se despliega en su propia unidad general en tanto que seudo-mundo aparte, objeto de mera contemplación. La especialización de las imágenes del mundo se encuentra, consumada, en el mundo de la imagen hecha autónoma, donde el mentiroso se miente a sí mismo. El espectáculo en general, como inversión concreta de la vida, es el movimiento autónomo de lo no-viviente.

-El espectáculo se muestra a la vez como la sociedad misma, como una parte de la sociedad y como instrumento de unificación. En tanto que parte de la sociedad, es expresamente el sector que concentra todas las miradas y toda la conciencia. Precisamente porque este sector está separado es el lugar de la mirada engañada y de la falsa conciencia; y la unificación que lleva a cabo no es sino un lenguaje oficial de la separación generalizada.

-El espectáculo no es un conjunto de imágenes, sino una relación social entre personas mediatizada por imágenes.

-El espectáculo no puede entenderse como el abuso de un mundo visual, el producto de las técnicas de difusión masiva de imágenes. Es más bien una Weltanschauung que ha llegado a ser efectiva, a traducirse materialmente. Es una visión del mundo que se ha objetivado.

-El espectáculo, comprendido en su totalidad, es a la vez el resultado y el proyecto del modo de producción existente. No es un suplemento al mundo real, su decoración añadida. Es el corazón del irrealismo de la sociedad real. Bajo todas sus formas particulares, información o propaganda, publicidad o consumo directo de diversiones, el espectáculo constituye el modelo presente de la vida socialmente dominante. Es la afirmación omnipresente de la elección ya hecha en la producción y su consumo corolario. Forma y contenido del espectáculo son de modo idéntico la justificación total de las condiciones y de los fines del sistema existente. El espectáculo es también la presencia permanente de esta justificación, como ocupación de la parte principal del tiempo vivido fuera de la producción moderna. anti-tv-full

-En el mundo realmente invertido lo verdadero es un momento de lo falso.

-Para describir el espectáculo, su formación, sus funciones, y las fuerzas que tienden a disolverlo, hay que distinguir artificialmente elementos inseparables. Al analizar el espectáculo hablamos en cierta medida el mismo lenguaje de lo espectacular, puesto que nos movemos en el terreno metodológico de esta sociedad que se manifiesta en el espectáculo. Pero el espectáculo no es nada más que el sentido de la práctica total de una formación socio-económica, su empleo del tiempo. Es el momento histórico que nos contiene.

-Allí donde el mundo real se cambia en simples imágenes, las simples imágenes se convierten en seres reales y en las motivaciones eficientes de un comportamiento hipnótico. El espectáculo, como tendencia a hacer ver por diferentes mediaciones especializadas el mundo que ya no es directamente aprehensible, encuentra normalmente en la vista el sentido humano privilegiado que fue en otras épocas el tacto; el sentido más abstracto, y el más mistificable, corresponde a la abstracción generalizada de la sociedad actual. Pero el espectáculo no se identifica con el simple mirar, ni siquiera combinado con el escuchar. Es lo que escapa a la actividad de los hombres, a la reconsideración y la corrección de sus obras. Es lo opuesto al diálogo. Allí donde hay representación independiente, el espectáculo se reconstituye.

– Aunque el espectáculo, tomado bajo su aspecto restringido de «medios de comunicación de masa», que son su manifestación superficial más abrumadora, parece invadir la sociedad como simple instrumentación, ésta no es nada neutra en realidad, sino la misma que conviene a su automovimiento total. Si las necesidades sociales de la época donde se desarrollan tales técnicas no pueden ser satisfechas sino por su mediación, si la administración de esta sociedad y todo contacto entre los hombres ya no pueden ejercerse si no es por intermedio de este poder de comunicación instantánea, es porque esta «comunicación» es esencialmente unilateral; de forma que su concentración vuelve a acumular en las manos de la administración del sistema existente los medios que le permiten continuar esta administración determinada.
debord_sofs

Revolución tecnologica y los medios de comunicación

Si reflexionamos sobre el efecto devastador que tuvo en los años sesenta la “retransmisión en directo” delos horrores de la guerra de Vietnam, empezamos a saber de qué estamos hablando. El efecto de aquellasimágenes en la opinión pública consiguió acabar con la guerra. Los políticos y militares no han vuelto apermitir que vuelva a suceder algo similar; por eso, la “Tormenta del desierto” no tuvo la misma oportunidad.Las consecuencias de exhibir imágenes políticamente incorrectas disuadió a las autoridades de veleidades informativas. El poder de las imágenes ha sido desde siempre ponderado cabalmente y se ha venidomencionando un supuesto enfrentamiento entre imagen y palabra. Pero si siempre se ha sugerido la preponderancia de la imagen frente a la palabra, ahora, además, se ve reforzada con dos cualidades: la inmediatez y la universalidad. La CNN emitirá el acontecimiento en directo, exactamente en el mismo instante en que éste se está produciendo, e, independientemente del lugar del mundo en que cualquiera se encuentre en ese mismo instante, podrá verlo. Tiempo y espacio, ¿dónde habéis quedado?. SEPT 11

Lo anterior no es más que una muestra de lo que se describen como rasgos distintivos de la revolución tecnológica. Una enorme capacidad para procesar y transmitir información a una velocidad creciente, con un coste decreciente, y la posibilidad de distribuirla a través de redes que se extienden por todo el mundo. Las consecuencias de este fenómeno saltan a la vista, reflejándose en una uniformización de modos, hábitos y costumbres. Es el resultado de la distribución universal de imágenes, más o menos estandarizadas, y su impacto en civilizaciones y sociedades de costumbres muy diversas.
Es evidente que los avances tecnológicos que se vienen produciendo en las últimas décadas están cambiando las formas de vivir y comunicarse, incluso nos están transformando a nosotros mismos. La rapidez con que los cambios se producen llena de asombro, y origina fenómenos desconocidos como que la innovación vaya por delante de la producción y los stocks no puedan almacenarse por mucho tiempo, ya que su obsolescencia será inmediata. Ese es, precisamente, uno de los rasgos distintivos de la revolución tecnológica, la aplicación inmediata de las innovaciones.

Medios de comunicación

Como medio de comunicación se hace referencia al instrumento o forma de contenido por el cual se realiza el proceso comunicacional o comunicación. Usualmente se utiliza el término para hacer referencia a los medios de comunicación masivos (MCM, medios de comunicación de masas o mass media), sin embargo, otros medios de comunicación, como el teléfono, no son masivos sino interpersonales.

Los medios de comunicación son instrumentos en constante evolución. Muy probablemente la primera forma de comunicarse entre humanos fue la de los signos y señales empleados en la prehistoria,^[1] cuyo reflejo en la cultura material son las distintas manifestaciones del arte prehistórico. La aparición de la escritura se toma como hito de inicio de la historia. A partir de ese momento, los cambios económicos y sociales fueron impulsando el nacimiento y desarrollo de distintos medios de comunicación, desde los vinculados a la escritura y su mecanización (imprenta -siglo XV) hasta los medios audiovisuales ligados a la era de la electricidad (primera mitad del siglo XX) y a la revolución de la informática y las telecomunicaciones (revolución científico-técnica o tercera revolución industrial -desde la segunda mitad del siglo XX-), cada uno de ellos esenciales para las distintas fases del denominado proceso de globalización

El propósito principal de los medios de comunicación es, precisamente, comunicar, pero según su tipo de ideología pueden especializarse en; informar, educar, transmitir, entretener, formar opinión, enseñar, etc.

Características

Positivas
Las características positivas de los medios de comunicación residen en que posibilitan que amplios contenidos de información lleguen a extendidos lugares del planeta en forma inmediata. Los medios de comunicación, de igual manera, hacen posible que muchas relaciones personales se mantengan unidas o, por lo menos, no desaparezcan por completo. Otro factor positivo se da en el ámbito económico: quien posea el uso de los medios puede generar un determinado tipo de consciencia sobre una especie de producto, es decir, puede generar su propia demanda, ya que los medios muchas veces cumplen la función de formadores de opinión. Entonces, visto desde el ámbito empresarial, es un aspecto ampliamente positivo al hacer posible el marketing.

Negativas
Las características negativas recaen en la manipulación de la información y el uso de la misma para intereses propios de un grupo específico. En muchos casos, tiende a formar estereotipos, seguidos por muchas personas gracias al alcance que adquiere el mensaje en su difusión (como sucede al generalizar personas o grupos)
La radio es una tecnología que posibilita la transmisión de señales mediante la modulación de ondas electromagnéticas. Este medio de comunicación es efectivo para el hombre; pues no necesita de imágenes para poder transmitir la información. Y por su alcance electromagnético le es mucho más fácil el poder llegar a lugares lejanos.
frame1_21

Tipos de medios de comunicacion:

Radio

El teléfono es un dispositivo de telecomunicación diseñado para transmitir conversación por medio de señales eléctricas. El teléfono fue creado en conjunto por Alexander Graham Bell y Antonio Meucci en 1877. t025165a

Libro

Un libro es una colección de uno o más trabajos escritos, usualmente impreso en papel y envuelto en tapas para proteger y organizar el material impreso. Es uno de los medios de Comunicación más antiguos que existen. Los hay acerca de diferentes temas selectos
libro20antiguo1

Periódico

Los periódicos son un medio editado normalmente con una periodicidad diaria o semanal, cuya principal función consiste en presentar noticias. El periódico además puede defender diferentes posturas públicas, proporcionar información, aconsejar a sus lectores y en ocasiones incluyen tiras cómicas, chistes y artículos literarios. En casi todos los casos y en diferente medida, sus ingresos económicos se basan en la publicidad. Es calificado como el medio de comunicación más influyente en materias de opinión.

Cine

El Cine es uno de los medios de comunicación más masivos que existen. Gracias a sus variados géneros puede abarcar una multitud de temas pensados para una gran diversidad de espectadores. 20051225195701-a1

Televisión television1

La palabra «televisión» es un híbrido de la voz griega «Tele» (distancia) y la latina «visio» (visión). El término televisión se refiere a todos los aspectos de transmisión y programación, que busca entretener e informar al televidente con una gran diversidad de programas

Esta transmisión puede ser efectuada mediante ondas de radio o por redes especializadas de televisión por cable.
El receptor de las señales es el televisor.

Internet

Internet es un método de interconexión de redes de computadoras implementado en un conjunto de protocolos llamado TCP/IP y garantiza que redes físicas heterogéneas funcionen como una red (lógica) única. Hace su aparición por primera vez en 1969, cuando ARPAnet establece su primera conexión entre tres universidades en California y una en Utah. Ha tenido la mayor expansión en relación a su corta edad comparada por la extensión de este medio. Su presencia en casi todo el mundo, hace de la Internet un medio masivo, donde cada uno puede informarse de diversos temas en las ediciones digitales de los periódicos, o escribir según sus ideas en blogs y fotologs o subir material audiovisual como en el popular sitio Youtube .Algunos dicen que esto convierte en los principales actores de la internet a los propios usuarios

{enero 6, 2009} Tema 3

Técnicas y procedimientos tridimensionales.

En este blog voy a nombrar una serie de técnicas, no todas, pero sí algunas importantes.

La primera tiene que ver con la familia del volumen -3D. Se llama Técnicas y procesos tridimensionales y está compuesto por:

–Adición. Significa añadir, ir poniendo más. Esto se conoce también como modelado.

Modelar significa, hablando en plata, dar forma a algo que está blandito. Si las piezas que se desean modelar son muy grandes, es conveniente poner armazones, ya que si no se ponen, la figura se caerá.

Las técnicas más habituales de modelado son: Cilindros (también llamados churros),

Placas, macizo, manteniendo hueco y técnicas cerámicas como por ej. El torneado. Este último se considera una técnica especial. Esta técnica permite mucha libertad porque podemos poner y quitar lo que queramos en la figura.

–Sustracción. Significa quitar.

Las técnicas de talla son las técnicas usuales de sustracción.

Los materiales usados por excelencia son la piedra, como el mármol, la caliza, etc. y la madera. Esta última tiene como desventajas con respecto a la piedra que se deteriora, que se pueden pudrir y que se la pueden comer los xilófagos; aunque también tiene una serie de ventajas como que es más fácil de tallar y que es más barata.

Además de estos materiales, existen otros como el marfil (sacado de los colmillos de los elefantes), el porex (poliespan, corcho blanco) y otros como el ladrillo. El corcho blanco, nombrado anteriormente, es un material que no pesa por lo que se trabaja y retoca con facilidad.

Pero el material fundamental andaluz es la madera.

-Hay dos modos diferentes de construir. Mediante un solo bloque (construcción monolítica) o con más de un bloque pegados (ensamblada). Esto es muy frecuente en la madera.

A veces, también ocurre que dentro de varios bloques hay solo una estructura.

La talla permite muy poca libertad, es prácticamente imposible poder rectificar si te has equivocado.

Hablando de la talla, hay dos tipos:

o Directa. Donde se busca la forma directamente en el material.

o Indirecta o asistida. En este tipo, antes de tallar el material, se hace un modelo en barro y de ahí se copia en la madera, la piedra o el material que sea mediante unas máquinas. Este modelo del que he hablado no tiene por qué ser del mismo tamaño que la escultura terminada.

El procedimiento más utilizado para pasar del modelo al original es el puntómetro. Consiste en marcar encima del modelo los puntos que son importantes. Esos puntos se taladran en el material y de ahí se sacan las referencias para hacer la escultura.

Actualmente esto lo hace una máquina. Las más modernas están asistidas por ordenador.

-Técnicas de construcción. Consiste en pegar piezas que ya existen hasta formar la obra.

El procedimiento más conocido es la soldadura. La soldadura es un proceso de fabricación en donde se realiza la unión de dos materiales.

Otro proceso de construcción es el contemporáneo ensamblaje. Consiste en unir piezas ya existentes para crear una figura nueva. Es una forma de escultura compuesta de objetos “encontrados” arreglados de tal manera que crean una sola obra.
Deformación. Es el cambio en el tamaño o forma de un cuerpo debido a la aplicación de una o más fuerzas sobre el mismo. Se puede deformar dándole golpes, con una forja, etc.

La orfebrería, por ejemplo, usa muchos procedimientos de deformación. Se llama orfebrería al trabajo artístico realizado sobre utensilios o adornos de metales preciosos.

-Una técnica de transformación espectacular es la del vidrio, que se funde y se deforma soplando.
–Transformación. Se trata de modificar un material hasta convertirlo en otra cosa

Técnicas de vaciado. El vaciado es una técnica para reproducir modelos mediante moldes. Muchos materiales, como metales y argamasa, se han utilizado para vaciados, y el bronce ha sido el más popular de todos a lo largo de los siglos.

Los materiales con los que se pueden rellenar estos moldes son, entro otros: barro para cocer, escayola o yeso, cementos, resinas sintéticas, etc.

Los procesos de fundición son procesos muy complejos de vaciado.

Se denomina fundición al proceso de fabricación de piezas, comúnmente metálicas pero también de plástico, consistente en fundir un material e introducirlo en una cavidad, llamada molde, donde se solidifica.

En la actualidad se hacen esculturas con técnicas que no se habían usado nunca, como coches prensados para hacer esculturas; hologramas, que son placas fotográficas que memorizan la foto y la proyectan en 3D; etc.

Técnicas y procedimientos bidimensionales

–carboncillo

–sanguina: La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites, que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Las cualidades esenciales de este material son la luminosidad y el poder ilusionista en el acabado de las encarnaciones, que hacen de esta técnica la ideal para dos tipos de estudio: el retrato y el desnudo.

sanguina

–Lápiz grafito
-lápices de colores
-tinta china
–tinta bistró
-tinta sepia
-tinta +lápiz
–pastel: la técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos. De esta manera se consiguen colores luminosos, intensos y bien saturados. mujerpastelc0og
Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.
Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por la cual es escogida por muchos artistas
–ceras
-punta de plata
-acuarela: la acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. acuarela1_g
– gouache o guache, es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura transparente sobre papeles brillantes, si uno quiere puede pintar aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente es utilizado para producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo. gouache

Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy espesas de pintura, sin embargo produce un efecto de ser más espeso de lo que en realidad es. Su luminosidad no depende de la base, si es blanca o no, sino que su brillo está en la misma pintura. Debido a su opacidad, los colores claros pueden pintarse sobre los oscuros sin que estos aparezcan a través de los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.–acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo

–óleo a los aceites que se usan para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura

y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma pintura en sí. Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc. acrilico

Acrilico Óleo
–temple :en general, todas las técnicas pictóricas se basan en tres elementos básicos: el pigmento, el disolvente y el aglutinante. En el caso de la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas.
Las formas de obtener la emulsión son:
Por enriquecimiento de pinturas magras (agregando aceites o similares).
Por empobrecimiento de pinturas grasas: (pintura al óleo

), no recomendado.
Por emulsión directa: mezcla del pigmento con el aglutinante (óptima). temple

Fresco Temple

–fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada y suave capa de yeso, en la cual se va aplicando cal apagada (CaOH₂) y cuando la última capa está todavía húmeda, se pinta sobre ella, de ahí su nombre.
El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24 horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos. Por ello algunos acabados se realizaban en seco, con temple, es decir, aglutinados con cola. A esa técnica se la conoce como fresco seco.

Técnicas de grabado y estampación

El aguafuerte es una técnica indirecta de grabado calcográfico. La plancha se recubre con un barniz protector sobre el que dibuja el grabador con una punta metálica, asegurándose que dicha punta toca la superficie del metal sin hacer surco alguno en ella. La ventaja de no arañar la plancha es que pueden corregirse fácilmente los errores cubriendo de nuevo las líneas o zonas no deseadas mediante un pincel mojado en barniz. Por el contrario, si el grabador araña el metal, aunque vuelva a tapar la línea con barniz, el pequeño surco abierto por la punta se llenará de tinta durante la estampación y quedará visible el defecto. Una vez realizado el dibujo sobre el barniz, se sumerge la lámina en una cubeta de ácido mordiente rebajado con agua aguafuerte que tiene la capacidad de atacar el metal y disolverlo en aquellas zonas en que se ha hecho desaparecer el barniz. La profundidad de las tallas depende del tiempo de exposición al ácido y de la concentración de éste.

La aguatinta se basa técnicamente en el mismo principio del aguafuerte, pero a diferencia de aquel las líneas se sustituyen por superficies tonales. Es una técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o infinitas gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea uniformemente resina de pino pulverizada. El punto de resina, como la capa de barniz en la técnica del aguafuerte, actúa como aislante. Es decir, al sumergir la lámina en el ácido éste sólo ataca los intersticios que se encuentran entre los puntos de resina que previamente han debido ser fijado al metal. Para ello se calienta el dorso de la lámina sujetando ésta con unas tenazas antellanas. Tal calentamiento provoca la dilatación de la resina y su adherencia a la plancha. El tiempo de exposición al calor debe ser suficiente para que se adhiera el punto de resina, pero no exagerado, porque una dilatación excesiva de los granos provocaría la fusión de éstos con sus vecinos formando una capa uniforme que impediría la actuación del aguafuerte. Para crear zonas de puntos de diferente profundidad, se emplea el mismo recurso de las reservas con barniz descrito en la técnica del aguafuerte.

La litografía es el soporte sobre el que interviene el artista litógrafo en este procedimiento es una piedra calcárea, porosa, que tiene la capacidad de absorber tanto la grasa como el agua. Sirviéndose de un lápiz o de tinta de composición grasa, el artista efectúa un dibujo sobre la piedra una vez que su superficie ha sido convenientemente pulimentada y graneada o bruñida. La tinta o el polvo de lápiz graso penetran en los poros de la piedra que coinciden con la zona dibujada. Si la superficie de la piedra se moja el agua penetrará en los poros libres y será expulsada de los ocupados por la tinta debido al rechazo natural que existe entre el agua y la grasa. Por su naturaleza el agua y la grasa se repelen, no se mezclan. Mediante un procedimiento químico conocido con el nombre de acidulación, se aplica sobre la piedra una capa de ácido nítrico mezclada con goma arábiga que permite fijar la zona dibujada y limpiar de grasa los poros de la zona libre, haciéndola más receptiva al agua para estampar el dibujo de la piedra hasta humedecer ésta y a continuación pasar un rodillo empapado en tinta grasa. La tinta sólo penetrará en los poros ocupados anteriormente por el dibujo y será repelida de los poros donde esté el agua. La estampación litográfica es plana ya que la tinta se deposita en la superficie de la piedra, superficie que no ha sido rebajada en las zonas blancas ni tampoco incidida con instrumento alguno.

Manera negra

técnica pictórica de grabado calcográfico. La manera negra, también llamada mezzotinta o grabado al humo, consiste en obtener los blancos de la estampa a partir de un negro total. Así pues, mientras las técnicas de grabado calcográfico parten del blanco a partir del que se obtienen las líneas o superficies tonales, en el grabado al humo el proceso es a la inversa. Para conseguir que la lámina proporcione un negro absoluto debe ser graneada uniformemente. En este proceso se utiliza un instrumento achaflanado que termina en curva llena de pequeños dientes: el graneador. El graneador debe recorrer la superficie metálica unas veinte veces en cada sentido vertical, horizontal y diagonal con movimientos en balanceo. Una vez finalizada esta operación se sacan los blancos rebajando el graneado con el rascador y el raedor o aplastándolo completamente con el bruñidor. De este modo se obtienen transiciones de claroscuro de gran delicadeza, suaves efectos tonales y negros brumosos e intensos.

Serigrafía

procedimiento de arte gráfico basado en un método permeográfico de estampación. El artista interviene sobre una pantalla de seda, tejido sintético o malla metálica, obturando ciertas zonas de su trama. Dicha operación puede realizarse de forma manual aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película o plantilla recortada, pero también existen sistemas de obturación fotomecánicos previa sensibilización de la pantalla. Esta preparación de la matriz de impresión constituye la fase más delicada del trabajo del artista serígrafo y su resultado se traduce en la existencia de superficies tapadas correspondientes a los blancos de la estampa, junto con otras abiertas o zonas de imagen. Para estampar se esparce tinta líquida sobre el tamiz de la pantalla mediante una rasqueta, tinta que pasará al papel sólo por las partes no obturadas. Como puede observarse por esta descripción la diferencia fundamental de la serigrafía respecto a otras técnicas de arte gráfico es que en ellas la imagen se trasfiere mediante la matriz de estampación a la estampa por presión, mientras que aquí se genera a través de una pantalla por filtración. Esta diferencia explica la distinta cantidad de tinta depositada sobre el papel en uno y otros procedimientos y permite entender porqué las superficies de color son tan compactas, sólidas y homogéneas en las estampas serigráficas.

Técnicas aditivas conjunto de técnicas de arte gráfico en las que la imagen de la estampa se crea a partir de la adición de materiales sólidos a un soporte rígido. Estos materiales son muy variados: acetato de polivinilo, caucho sintético, poliéster, derivados de celulosa,… utilizándose como aglutinantes y adhesivos resinas sintéticas polimerizadas.

También las matrices pueden ser de naturaleza múltiple: metal, madera, cartón, linóleo, vinilo, p.v.c.,… La superposición de productos sobre la superficie del soporte permite crear diferentes niveles que facilitan la retención de tinta y, en consecuencia, resultan susceptibles de ser estampados. Efectos matéricos y de textura caracterizan estas técnicas de arte gráfico. En algunos casos, como el carborundo, suelen ir asociadas con procedimientos indirectos de grabado calcográfico. A efectos de catalogación conviene utilizar el nombre completo de cada técnica, diferenciándose entre sí, básicamente, por la diferente textura del aditivo empleado.

Xilografía técnica de grabado en madera y de estampación en relieve. Etimológicamente podría ser entendido genéricamente como el arte de grabar en madera. Este es el alcance que le dan los grabadores actuales españoles, sin entrar en distinciones relativas al tipo de taco empleado ni al modo de rebajarlo. Conviene recordar que el término xilografía fue acuñado durante el s. XIX para referirse a un procedimiento concreto de grabado en madera inventado en los años finales del s. XVIII y que consiste básicamente en rebajar con buriles un taco cortado a la testa. Así pues, xilografía equivaldría a grabado en madera a la testa, excluyendo de su significado al grabado en madera a la fibra.

Técnicas de mosaico

Objetivo: Estimular el potencial creativo del participante a partir del color y las formas como medio de expresión visual.
Se pretende interactuar con los diversos materiales y formas de trabajo para conseguir un resultado estético a partir de técnicas mixtas.
Importante: La primera jornada de trabajo será una toma de contacto y conocimiento de las características artísticas y peculiaridades de los niños, para a partir de ese conocimiento desarrollar este curso.

Técnicas tradicionales: vidrieras

Las vidrieras ya eran usadas en los templos de la época románica pero llegan a su apogeo en la arquitectura gótica y van generalizándose desde el siglo XIII. Presentan en este siglo, como en el anterior, la forma de mosaico en el fondo, con varios compartimentos o medallones de figuras en serie de arriba abajo, representándose en cada uno algún asunto religioso, histórico o simbólico, pero sin llevar más de un color cada fragmento de vidrio (salvo el esmalte de color gris o negruzco que se añade para trazar algunos perfiles y contornos de figuras).

Técnicas de imagen fotográfica

El juntar en una clase a niños de edades comprendidas entre los 4 y 7 años supone el tener dos tipos diferentes de evolución en el desarrollo mental y perceptivo de la visión y plasmación de la idea.
El mosaico, procedente de oriente y lejano en el tiempo 5000 años a. de C., forma parte de las civilizaciones antiguas como una forma de expresión y realización de figuras y formas artísticas mediante pequeños fragmentos de piedras coloreadas llamados teselas , y el collage viene del francés «coller» que traducido libremente podríamos decir que es una técnica de encolar, esto significa la asociación de diversos elementos mediante la cola o pegamento, pudiendo con esta técnica aplicar los materiales sobre diversos soportes como tela cartón tabla etc. collage_simpsons

El collage se desarrolla principalmente a principios del siglo veinte con Picasso y Braque, utilizado primordialmente por los cubistas dadaístas y surrealistas.
Los materiales para el collage son sencillos de encontrar y muy variados «todo depende del ingenio del individuo a la hora de plasmar su idea con materiales tan diversos (periódicos postales, fotografías, folletos de publicidad, etiquetas, telas, tramas y un sinfín de materiales semi rígidos.

En este curso trataremos de desarrollar la imaginación de los niños y plasmarla en diferentes collages y mosaicos.

Un vitral, cristalera o vidriera de colores es una composición formada por vidrios de colores pintados y cubiertos por esmalte que se unen por medio de varillas de plomo. vidrieras

Cámara oscura la cámara oscura (del latín camera obscura) es un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía. Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras. camera_obscura

Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un pequeño orificio practicado en uno de los muros, por donde entraban los rayos luminosos reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio funciona como una lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto vertical como horizontalmente.

Fue utilizada antiguamente como ayuda para el dibujo. La imagen, proyectada sobre papel u otro soporte, podía servir de pauta para dibujar sobre ella. Posteriormente, cuando se descubrieron los materiales fotosensibles, la cámara oscura se convirtió en cámara fotográfica estenopeica (la que usa un simple orificio como objetivo). Estas cámaras estaban muy limitadas por el compromiso necesario al establecer el diámetro de la abertura: suficientemente reducido para que la imagen tuviera una definición aceptable; suficientemente grande para que el tiempo de exposición no fuera demasiado largo. El uso de lentes o juegos de ellas como objetivo convirtieron definitivamente la cámara oscura en cámara fotográfica y desde ese momento fue evolucionando en diferentes épocas.

El Arte Digital es una disciplina creativa que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales en el proceso de producción y/o en su exhibición. arte-digital1

En sus inicios, al contrario del resto de obras artísticas que se manifestaban sobre un soporte analógico:(lienzo, instrumento musical, material escultórico…) las obras de arte digital se manifiestan mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.
A modo de ejemplo, el arte digital puede apreciarse en diversos ámbitos como cine (trilogía de El Señor de los Anillos), animación 3D (Shrek), etc.

Realidad virtual es un sistema o interfaz informático que genera entornos sintéticos en tiempo real, representación de las cosas a través de medios electrónicos o representaciones de la realidad, una realidad ilusoria, pues se trata de una realidad perceptiva sin soporte objetivo, sin red extensa, ya que existe sólo dentro del ordenador. Por eso puede afirmarse que la realidad virtual es una pseudorrealidad alternativa, perceptivamente hablando.

La virtualidad establece una nueva forma de relación entre el uso de las coordenadas de espacio y de tiempo, supera las barreras espaciotemporales y configura un entorno en el que la información y la comunicación se nos muestran accesibles desde perspectivas hasta ahora desconocidas al menos en cuanto a su volumen y posibilidades.

La realidad virtual puede ser de dos tipos: inmersiva y no inmersiva. Los métodos inmersivos de realidad virtual con frecuencia se ligan a un ambiente tridimensional creado por un ordenador, el cual se manipula a través de cascos, guantes u otros dispositivos que capturan la posición y rotación de diferentes partes del cuerpo humano. La realidad virtual no inmersiva también utiliza el ordenador y se vale de medios como el que actualmente nos ofrece Internet, en el cual podemos interactuar en tiempo real con diferentes personas en espacios y ambientes que en realidad no existen sin la necesidad de dispositivos adicionales al ordenador.

La realidad virtual no inmersiva ofrece un nuevo mundo a través de una ventana de escritorio. Este enfoque no inmersivo tiene varias ventajas sobre el enfoque inmersivo como son el bajo coste y fácil y rápida aceptación de los usuarios. Los dispositivos inmersivos son de alto coste y generalmente el usuario prefiere manipular el ambiente virtual por medio de dispositivos familiares como son el teclado y el ratón que por medio de cascos pesados o guantes.

El alto precio de los dispositivos inmersivos ha generalizado el uso de ambientes virtuales fáciles de manipular por medio de dispositivos más sencillos, como es el ejemplo del importante negocio de las videoconsolas o los juegos en los que numerosos usuarios interactúan a través de Internet. Es a través de Internet como nace VRML, que es un estándar para la creación de estos mundos virtuales no inmersivos, que provee un conjunto de primitivas para el modelaje tridimensional y permite dar comportamiento a los objetos y asignar diferentes animaciones que pueden ser activadas por los usuarios.

Por último hay que destacar algunas complicaciones que facilitan los sistemas de realidad virtual, en lo que se refiere al tratamiento de enfermedades relativas a problemas de movilidad. Un ejemplo de ello lo realizan con simuladores de snowboard, obteniendo progresos en el tratamiento de los enfermos.

La historia del «performance art» empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.

La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.

Una «acción artística» es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

La performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.

En el arte contemporáneo– que siempre busca redefinir sus formas y maneras-, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

Medios de expresión no basadas en la creación de objetos ni imágenes

Performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. El performance está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta. i_performance

El Land art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes). land-art

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el Arte Povera. land_art_2

{diciembre 12, 2008} Tema 2 elemento de la forma, color, sintaxis de la imagen y campo visual.

De igual forma que el lenguaje verbal puede descomponerse en diversas unidades de distinta significación, también tenemos un lenguaje no verbal, visual, que puede constituir un alfabeto de significación. Es decir, que las imágenes podrían descomponerse en unidades de significación más pequeñas en función de algunos de sus componentes: color, línea…

Los elementos básicos son pues: el punto, la línea, el plano, el contorno, la textura y el color. Cada uno tiene características diferentes, lo que les permite desempeñar funciones determinadas dentro de la composición.

El punto:
Es la unidad mínima de comunicación visual, el elemento gráfico fundamental y por tanto el más importante y puede intensificar su valor por medio del color, el tamaño y la posición en el plano. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico, puede constituir el centro de atención.

El punto esta definido por su color, dimensión y sobre todo por el dinamismo que puede reflejar dependiendo de donde lo situemos dentro del plano. Cuando vemos varios puntos dentro de una determinada composición, por el principio de agrupación, podemos construir formas, contornos, tono o color (como las imágenes de semitonos creadas con tramas de puntos para su composición).

Características del punto:

– Tiene un gran poder de atracción cuando se encuentra solo.
– Puede producir sensación de tensión cuando se añade otro punto y construyen un vector direccional.
– Da lugar a la creación de otros conceptos como el color cuando aparecen varios puntos en el mismo campo visual.

La línea:
Sirve para conectar dos puntos en el espacio. Podemos definirla como la unión o aproximación de varios puntos. Casi siempre genera dinamismo y definen direccionalmente la composición en la que la insertemos. Su presencia crea tensión en el espacio donde la ubiquemos y afecta a los diferentes elementos que conviven con ella. Puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto, por lo cual tiene una enorme energía, nunca es estática y es el elemento visual básico del boceto.

Además la línea separa planos, permitiendo crear diferentes niveles y volúmenes. La línea puede tener múltiples significados y distintas formas de expresiones, desde la conformación de figuras a otros significados como acción, dirección, movimiento, estabilidad… dependiendo de sus distintos grosores o valores también variará su significado. Es uno de los elementos gráficos más utilizados, ya que definen y delimitan las diferentes áreas de nuestra composición, además dirige la dirección de lectura dentro de una composición, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Es un elemento indispensable en el espacio gráfico, tanto para la materialización y representación de ideas, como para la notación. Tiene, en el grafismo, la misma importancia que la letra en el texto. Los elementos de la línea que con mayor facilidad podemos analizar y percibir son: el espesor, la longitud, la dirección con respecto a la página, la forma (recta o curva), el color y la cantidad. La constancia y la variabilidad afectan al conjunto de las dimensiones antes citadas, aunque también pueden referirse a la distinción entre la línea continua y la lÌnea de puntos o a la naturaleza de los bordes (irregulares o lisos). Color y valores, forma y cantidad también son variables de uso del trazo.

Teoría del color.

Empezaremos diciendo que el color en sí no existe, no es una característica del objeto, es más bien una apreciación subjetiva nuestra. Por tanto, podemos definirlo como, una sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.

El color es pues un hecho de la visión que resulta de las diferencias de percepciones del ojo a distintas longitudes de onda que componen lo que se denomina el «espectro» de luz blanca reflejada en una hoja de papel. Estas ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 400 y los 700 nanómetros; más allá de estos límites siguen existiendo radiaciones, pero ya no son percibidos por nuestra vista.

Lo que ocurre cuando percibimos un objeto de un determinado color, es que la superficie de ese objeto refleja una parte del espectro de luz blanca que recibe y absorbe las demás. La luz blanca está formada por tres colores básicos: rojo intenso, verde y azul violeta. Por ejemplo, en el caso de objeto de color rojo, éste absorbe el verde y el azul, y refleja el resto de la luz que es interpretado por nuestra retina como color rojo. Este fenómeno fue descubierto en 1666 por Isaac Newton, que observó que cuando un haz de luz blanca traspasaba un prisma de cristal, dicho haz se dividía en un espectro de colores idéntico al del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul, añil y violeta.

En las artes gráficas tenemos dos grandes categorías con respecto al color, imagen en color e imagen en blanco y negro, en éstas últimas podemos diferenciar: – imágenes a pluma. – imágenes tramadas: mediante diferentes tipos de gris. Asimismo, las imágenes en color se pueden dividir en dos categorías: – colores planos: manchas uniformes de color. – degradados, también tramadas. El color es un elemento básico a la hora de elaborar un mensaje visual. Muchas veces, el color no es un simple atributo que recubre la forma de las cosas en busca de la fidelidad reproducida. A pesar de que, sin el color la forma permanece, con frecuencia el Mensajes es, precisamente, el Color, o lo que sólo puede expresarse por el Color.

Más allá de la mera identificación o asociación, el color también se puede emplear para crear experiencias. El publicista representa el producto en su anuncio mediante la forma, pero añade las cualidades del color. El color puede llegar a ser la traducción visual de nuestros sentidos, o despertar éstos mediante la gama de colores utilizados. Podremos dar sensación de frío, de apetecible, de rugoso, de limpio…

El color está presente en todos los aspectos de la identidad empresarial y de marca. En la identidad, las empresas pueden hacer que el color sea el principal elemento de su identidad utilizando un único color o una paleta de colores como parte de su identidad visual. Si el color se emplea uniformemente en una serie de elementos de la identidad, se termina convirtiendo en la rúbrica de la empresa.

Aprender a ver el color y obtener una interpretación de sus propiedades inherentes ha de ser el punto de partida si deseamos realizar un tratamiento eficaz de éste en las distintas aplicaciones gráficas que hagamos. Podemos establecer diversas clasificaciones de color. Por ejemplo esta clasificación de «Grafismo Funcional» (Abraham Moles/ Luc Janiszewski):

– Los policromos, o gama cromática. Compuesto por colores diversos que encuentran su unidad en la común saturación de los colores.

– Los camafeos, o matizaciones alrededor de una coloración principal. Pueden haber tantos camafeos como colores. No obstante, cabe distinguir en primer lugar el camafeo cálido (compuesto de tonos que giran alrededor del rojo y del naranja) del camafeo frío (compuesto por tonos alrededor del azul cyan y del verde).

– Los agrisados, que comportan colores variados muy cercanos al blanco (tonos pastel) o al negro (tonos oscuros) o al gris (tonos quebrados).

– Los neutros, que componen un conjunto únicamente blanco y negro o que pueden comprender grises escalonados.

Color: el circulo cromatico

El ojo humano puede distinguir entre 10.000 colores. Se pueden además emplear tres dimensiones físicas del color para relacionar experiencias de percepción con propiedades materiales: saturación, brillantez y tono.

El círculo cromático:

Nos sirve para observar la organización básica y la interrelación de los colores. También lo podemos emplear como forma para hacer la selección de color que nos parezca adecuada a nuestro diseño. Podemos encontrar diversos círculos de color, pero el que aquí vemos está compuesto de 12 colores básicos.
circulo

Dentro encontramos el negro, que se produce gracias a la mezcla de todos ellos.
En este círculo cromático podemos encontrar:

los colores primarios: rojo, azul y amarillo;
los secundarios: verde, violeta y naranja;
y los terciarios: rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo.

colores primarios
Los tonos secundarios se obtienen al mezclar partes iguales de dos primarios; los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un tono primario y de un secundario adyacente. Los primarios son colores que se consideran absolutos y que no pueden crearse mediante la mezcla de otros colores. Sin embargo, mezclar los primarios en diversas combinaciones crea un número infinito de colores. Dependiendo de qué ámbito, podemos encontrar tres juegos de colores primarios:

1. Los artistas y diseñadores parten de un juego formado por el rojo, el amarillo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás tonos.

2. El segundo juego de primarios es el del rojo, verde y el azul, conocidos como primarios aditivos. Son los primarios de la luz y se utilizan en el campo de la ciencia o en la formación de imágenes de monitores. Si se mezclan en distintos tantos por ciento, forman otros colores y si lo hacen en cantidades iguales producen la luz blanca.

3. El tercer juego se compone de magenta, amarillo y cyan. Se tratan de los primarios sustractivos y son los empleados por los impresores. En imprenta, la separación de colores se realiza utilizando filtros para restar luz de los primarios aditivos, con lo que se obtienen los colores de impresión por proceso sustractivo.

El tono: Es el matiz del color, es decir el color en sí mismo, supone su cualidad cromática, es -simplemente- un sinónimo de color. Es la cualidad que define la mezcla de un color con blanco y negro. Está relacionado con la longitud de onda de su radiación. Según su tonalidad se puede decir que un color es rojo, amarillo, verde… Aquí podemos hacer una división entre:

tonos cálidos (rojo, amarillo y anaranjados). Aquellos que asociamos con la luz solar, el fuego…
y tonos fríos (azul y verde). Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, la luz de la luna …

Los términos «cálido» y «frío» se utilizan para calificar a aquellos tonos que connotan dichas cualidades; éstos términos se designan por lo que denominamos «temperatura de color». Las diferencias entre los colores cálidos y los fríos pueden ser muy sutiles. Por ejemplo, el papel blanco puede parecer más cálido o más frío por una leve presencia de rojo o azul. Lo mismo ocurre con el gris y el negro.

La brillantez: Tiene que ver con la intensidad o el nivel de energía. Es la luminosidad de un color (la capacidad de reflejar el blanco), es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable, que puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a un tono.

En general, con los tonos puros que tienen un valor más luminoso (amarillo, naranja, verde) se consiguen las mejores variantes claras, mientras que los tonos puros que tienen normalmente un valor normalmente menos luminoso (rojo, azul, violeta) ofrecen las mejores variantes oscuras.

La saturación: Está relacionada con la pureza cromática o falta de dilución con el blanco. Constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee.

saturacion

DINAMISMO DE LAS FORMAS:
El circulo: es el equilibrio potenciado ya que todos los puntos se sostiene igual. El efecto visual q genera es estabilidad, racionalidad y equilibrio

El cuadrado: genera una sensación de equilibrio y trabajo, lo q se sostiene y se hace con esfuerzo, genera exactitud y seguridad

El triángulo: nos indica una fuerza q asciende si esta con el vértice unico hacia arriba.
Indica sensaciones diversas no tanto en el contenido, que siempre algo estático que se transforma en algo dinamico como en su dirección.

COLOR
Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son las gradiaciones del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos, radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas. Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido, o un color primario y uno compuesto, se complementan

Formas básicas que componen el color.

Ningún color puede ser considerado un valor absoluto, de hecho los colores se influyen mutuamente si se acercan. Los colores tienen diferente realce según el contexto en el que se dispongan o se encuentren.

Existen dos formas compositivas del color, armonía y contraste.

Armonía del color

Armonizar, significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes.

En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación.

Dominante: Es el mas neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto.

El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el mas potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento (alfombra, cortina , etc.)

El de mediación: Actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el circulo cromático cercano a la de color tónico.

Por ejemplo: en una composición armónica cuyo color dominante sea el amarillo, y el violeta sea el tónico, el mediador puede ser el rojo si la sensación que queremos transmitir sea de calidez, o un azul si queremos que sea mas bien fría.

El contraste

El Contraste se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común no guardan ninguna similitud.

Existen diferentes tipos de contraste:

De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación.

Contraste de claro/oscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada uno

Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario).

Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilizemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro.

Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo.

Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el tríangulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro.

Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido.

Efectos del color: El tamaño

Tamaño: El círculo central parece más pequeño si está rodeado de círculos de mayor tamaño y más grande si por el contrario lo rodean círculos más pequeños.

Transparencia, peso y masa

Transparencia: Se visualiza el efecto de transparencia por la aparente mezcla de tonos.

Peso y masa del Color: El color actúa por gravitación y extensión de una superficie cromática. Los tonos fríos y claros parecen más livianos y menos sustanciales, los cálidos y oscuros parecen más pesados y densos.. lola5

El equilibrio en una composición

Cada forma o figura representanda sobre un papel, se comporta como un peso, un peso visual, porque ejerce una fuerza óptica. Los elementos de nuestra composición pueden ser imaginados como los pesos de una balanza. Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los elementos se compensan entre sí.

Este criterio se aplica principalmente al diseño, normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados específicos en un diseño.

Definimos equilibrio, como la apreciación subjetiva, en la cual, los elementos de una composición no se van a desprender.

El equilibrio simétrico

En una composición se puede conseguir el equilibrio a través del uso de líneas y formas. Todos los pesos deberán estar compensados para obtener el equilibrio ideal.

Como medición del peso de las formas y líneas que utilizamos en una composición, se observa la importancia que tienen los objetos dentro del diseño o creación que queremos representar, intentando equilibrar los elementos de mayor importancia, con los de menor importancia, y los de mayor peso con los de menor.

Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico

Equilibro simétrico: es cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso.

Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico, es la mariposa, cuyas alas poseen un simetría axial bilateral, en la que el eje, es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Esta regularidad constituye, a nivel de percepción, un factor estético de armonía.

La creación de un diseño simétrico, nos transmite una sensación de orden.

El equilibrio asimétrico

Un equilibrio es asimétrico, cuando al dividir una composición en dos partes iguales, no existen las mismas dimensiones en tamaño, color, peso etc, pero existe un equilibrio entre dos elementos.

En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado.

La asimetría, nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.

La creación de un diseño simétrico, nos transmite una sensación de orden.

ESQUEMA

1.¿Por qué evaluar? -Mucho más que medir el rendimiento de los alumnos. 2.¿ cuando hay que evaluar?

2.¿ cuando hay que evaluar?

Fases: -inicial -formativa -sumativa

3.concepciones sobre evaluación. -Transferir informacion. -Encontrar estrategias -Procesos de aprendizajes de los alumnos. – Capacidad para buscar de forma selectiva.

4.¿ Qué evaluamos? a) Lo que no hacer b) Fundamentar nuestros criterios de evaluacion. 5.El tema del «gusto» y la calidad estetica al evaluar.

6.¿Qué evaluamos? a) Datos, b) hechos, c) conceptos, d) procedimientos, e) actitudes, f) creatividad.

7. Dos maneras de evaluar. a)Evaluando instrumentos puntuales: -Sus obras son importantes: -Reivindicar el papel del lenguaje, oral y escrito , en E.A. b)Instrumentos que recogen un proceso. c)Diversos tipos de pruebas para medir capacidades y aspectos distintos.

8) Procedimiento de evaluacion reproductivos versus investigativos/ de reconstruccion. -Pruebas con relevancia cognitiva: -Reconstruccion del conocimiento. -Trabajan con narrativas. -De investigacion. -Proyectos de trabajo.

9)Otros modelos de evaluar. – Auto evaluarse. Maneras de participar: -La auto evaluacion -Evaluacion conjunta -En grupo. -Triangulacion: recoger informacion desde diferentes puntos de vista.

10) Alumno decide no seguir un trabajjo y abandonarlo. -¿Fracaso o éxito educativo?

11) Alumno como individuo

DESARROLLO COMPLETO

a) Lo que no hacer

todos los alumnos son

5.El tema del «gusto» y la calidad estetica al evaluar.

es un error valorar segun

ANÁLISIS DE LOS CRITERIOS DE EVALUACIÓN TERCER CICLO

WEBGRAFÍA

ESQUEMA

DESARROLLO PERSONAL

1. Lo que no es primaria

2. ¿Cómo podemos educar a través de las artes y lo visual?

3.Eleccion del modelo de educación artística que vamos a usar.

WEBGRAFIA

ESQUEMA A)LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO

B) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL :TIPOS DE IMAGENES.

C) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL:CANALES DE DIFUSIÓN

DESARROLLO COMPLETO A)LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO

B) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL :TIPOS DE IMAGENES.

C) CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL:CANALES DE DIFUSIÓN

Según el tema expuesto anteriormente sobre las imágenes y lo visual lo desarrollaría al nivel del tercer ciclo.

WEBGRAFÍA Educacion_Artitica_en_la_LOE._Competencias Tema_6_Primaria_Conocimiento_complejo Tema_6b_Tipos_imagenes Tema_6c_cANALES http://www.prisa.com/

Formas básicas que componen el color.

Armonía del color

El contraste

Efectos del color: El tamaño

Transparencia, peso y masa

Este criterio se aplica principalmente al diseño, normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados específicos en un diseño.

El equilibrio asimétrico

La creación de un diseño simétrico, nos transmite una sensación de orden.

COLABORAD!!!!

Comentarios recientes

1.¿Por qué evaluar? -Mucho más que medir el rendimiento de los alumnos.

2.¿ cuando hay que evaluar?

Fases:
-inicial
-formativa
-sumativa

3.concepciones sobre evaluación.

-Transferir informacion.
-Encontrar estrategias
-Procesos de aprendizajes de los alumnos.
– Capacidad para buscar de forma selectiva.

4.¿ Qué evaluamos?

a) Lo que no hacer
b) Fundamentar nuestros criterios de evaluacion.

5.El tema del «gusto» y la calidad estetica al evaluar.

6.¿Qué evaluamos?

a) Datos,
b) hechos,
c) conceptos,
d) procedimientos,
e) actitudes,
f) creatividad.

7. Dos maneras de evaluar.

a)Evaluando instrumentos puntuales:
-Sus obras son importantes:
-Reivindicar el papel del lenguaje, oral y escrito , en E.A.
b)Instrumentos que recogen un proceso.
c)Diversos tipos de pruebas para medir capacidades y aspectos distintos.

8) Procedimiento de evaluacion reproductivos versus investigativos/ de reconstruccion.

-Pruebas con relevancia cognitiva:
-Reconstruccion del conocimiento.
-Trabajan con narrativas.
-De investigacion.
-Proyectos de trabajo.

9)Otros modelos de evaluar.

– Auto evaluarse.
Maneras de participar:
-La auto evaluacion
-Evaluacion conjunta
-En grupo.
-Triangulacion: recoger informacion desde diferentes puntos de vista.

10) Alumno decide no seguir un trabajjo y abandonarlo.

-¿Fracaso o éxito educativo?

ANÁLISIS DE LOS CRITERIOS DE EVALUACIÓN
TERCER CICLO

ESQUEMA

A)LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO

DESARROLLO COMPLETO

A)LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO

WEBGRAFÍA

Educacion_Artitica_en_la_LOE._Competencias
Tema_6_Primaria_Conocimiento_complejo
Tema_6b_Tipos_imagenes
Tema_6c_cANALES
http://www.prisa.com/